1961年8月8日梅兰芳病逝



        梅兰芳，名澜，字浣华，原籍江苏泰洲(今改为县)，1894年出生在北京的京剧梨
园世家。他的祖父梅巧玲 是“同光十三绝”之一，著名旦角演员；他的父亲梅竹芬
早年演老生，后演小生，最后改青衣，生前也是颇有名气的旦角演员 。梅兰芳从小
受到京剧的熏陶，拜了不少名师，他8岁就登台演戏，20岁已蜚声南北，25岁出国献
艺。他1919年至1 935年先后到日本、美国、苏联演出，第一个把中国的京剧艺术传
播到海外去，成为饮誉中外的京剧艺术大师。

　　梅兰芳一生成就蜚然，据不完全统计，他一生演过的京、昆剧，包括主演和配
演，总数不下200出，粗略统计 ，他一生演出过的剧目130多出，他所演的剧目中有
传统的，改编的和新创作的，有时装新戏，也有古典歌舞剧。从角色行 当看，有青
衣、花旦、闺门旦、刀马旦，也有反串小生等行当，梅兰芳一生经常演出的代表作
《宇宙锋》，早年到中年不断演 出的代表作《贵妃醉酒》中期演出的代表作《霸王
别姬》、《洛神》、《抗金兵》，中晚期演出的代表作《生死恨》，新中国 成立后
编演的代表作《穆桂英挂帅》等11出保留剧目，是梅氏演出本的精华，也是中国京剧
艺术的精华。

　　梅兰芳演出的剧目题材多样，剧情精美，梅兰芳在剧中无论是扮演悲剧角色，喜
剧角色，宫廷贵妇，巾帼英雄，大家 闺秀，时装女子，神话仙女等等，都给人赏心
悦目的感觉。凡是看过梅兰芳那热烈而动人的演出场面，都会过目而不忘，被他 的
艺术魅力所陶醉，沉浸在美的享受之中。

　　梅兰芳一生不断探索，勇于革新，以适应时代的要求，从剧本、表演、唱腔、舞
蹈、化妆，音乐伴奏、灯光设计 等方面都进行了大胆的创新，尤其是在创编古装新
戏上，在唱、念、做、舞、化妆、服饰等方面的创新。他把中国古典舞蹈中 的轻歌
曼舞吸引到京剧中来。使中国古老戏曲在歌、舞、剧三结合的形式上作出了杰出的贡
献。

　　梅派唱腔是梅派艺术的精髓。梅兰芳继承了王派创始人王瑶卿将青衣、花旦揉合
在一起的传统，创造了甜润、平 和、优美、动听的梅腔。他一反过去青衣“抱着肚
子傻唱”的旧传统。创造了歌舞并重的新风格，给人耳目一新的感觉。他的 功绩在
于把青衣、花旦、闺门旦、贴旦、刀马旦等旦角各行的唱腔和表演艺术全面地，有机
地结合起来。创造了花旦这一新的 行当，大大丰富了旦角唱腔的优美旋律。梅兰芳
不但在唱腔理论上有不少建树，他还在新编古戏里，创新了大量的新腔，如在 《太
真外传》里创造了反四平的新腔；《三娘教子》里创造了反西皮二元；在《霸王别
姬》里把南梆子的速度放慢，唱成三眼 板。由于节奏舒缓，腔调优美，成了脍灸人
口的著名唱段，至今流传不息。他打破青衣不能唱南梆子的旧规。为旦角闯开一条
新路。晚期的梅腔，更多地使用装饰音，使唱腔达到又甜美又深厚，刚柔相济的妙
境，梅兰芳精心研究旦角的唱法技巧，很注 意起唱时发音要自然，结尾时收得委
婉，使人听起来余味无穷。他提倡：颠、挑、滑、康、刚、柔、起、落、轻、重、
顿、断 、颤、连的14种唱法技巧。他还善于吸收京韵大鼓等其他剧种，其他行当的
唱腔为已所用，使自己的唱腔既丰富又有新意， 人们评价梅兰芳的唱腔“无腔不
新，又无腔不似旧”梅兰芳的京剧表演艺术具有轻歌曼舞的古典美。他的重要贡献
是，从古代 诗歌、绘画、雕塑、武术及各种表演艺术的精髓中，在他的古装戏中创
编大量的舞蹈，把传统舞蹈的轻歌曼舞引进京剧旦角艺 术中来。如《嫦娥奔月》的
花镰舞，《西施》的盘舞，《天女散花》绸舞，《黛玉葬花》的花锄舞，《太真外
传》的拂尘舞， 《廉锦枫》的刺蚌舞，《霸王别姬》的剑舞，《洛神》的仙女舞等
等，这些舞蹈轻盈入画，优美绝伦，蜚声中外，被日本人称 为“梅舞”梅舞可以在
情节极少的情况完全以舞蹈动作造出意境美，《天女散花》舞蹈动作优美，加上典雅
的词句，优美的唱 腔，使人完全陶醉在古典美的歌舞声中《霸王别姬》双剑翩翩起
舞，令人好不惊叹，《洛神》中美妙的身段和舞蹈，天上仙境 ，抒发出浪漫主义浓
郁气氛，大大增添了诗情画意的色彩。梅兰芳轻歌曼舞的舞姿，配上那优美的唱腔，
形成了梅派艺术独创 的古典美。梅兰芳出场亮相，尚未开口，观众就会被他那雍容
华贵的丰采所吸引。全神贯注留心他一举一动。这样的舞台效果 只有大师级的艺术
家才能创造出来。

　　梅兰芳的京剧艺术是中国京剧发展史上新的里程碑，他以半个多世纪的舞台艺术
实践，为京剧艺术的继承、革新、发 展作出了划时代的贡献。他的旦角艺术不但影
响了同时代人，也影响了下几代人；既影响了中国戏曲艺术的发展也影响了世界 戏
剧艺术的发展。梅兰芳的艺术美跟他的人品美密不可分。他在日寇占领上海和香港时
期，蓄须以明志的事迹人所共知。他的 做人风范长存，他性格随和，彬彬有礼，谈
吐文雅，尊敬师友，虚怀若谷，从善如流，同行相亲，深广的文化修养，关心弟子
，爱惜人才，在艺术界传为佳话。

　　梅兰芳是我国向海外传播京剧艺术的先驱，他一生三次访日本，二次访苏联，一
次访美国。梅兰芳前两次访日取得了 圆满成功，日本评论界一致认为京剧具有形式
美和象征美。梅兰芳访美使美国人民大开眼界，破除了西方人对中国戏剧所持的 错
误观点，培养了一些洋戏迷。梅兰芳在美国播下的京剧种子，经过半个世纪，现已开
花结果。梅兰芳的访苏应视为中苏两国 文化交流新的里程碑。前苏联著名艺术家斯
坦尼斯拉夫斯基观看了梅兰芳的演出给予了很高的评价。 　　梅兰芳的三国之行 ，
为在海外传播京剧艺术作了开路先锋，影响极其深远。使中国京剧艺术在世界艺苑中
独一无二，已为任何国家民族的艺术无 法取代。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-9 at 07:43 ]

1975年8月9日伟大的苏联作曲家迪米特里·迪米特耶维奇·肖斯塔科维奇病逝




        苏联卫国战争期间，列宁格勒曾被纳粹德军围困900天。在经历过这段艰难岁月的每一个战士，每一位公民心中，都深深地铭记着一位伟大作曲家的名字：肖斯塔科维奇。

        德米特里·肖斯塔科维奇（Dmitry Shostakovich）1906年9月25日出生于俄国彼德堡。父亲是西伯利亚矿山的工程师，母亲是一位修养很高的音乐爱好者。肖斯塔科维奇很小就显示出极高的音乐天赋。5岁时，他看完里姆斯基—科萨科夫的歌剧《萨旦王的故事》之后，便能正确地哼唱出其中的部分曲调。他9岁时从母亲学习钢琴并开始作曲，10岁时进入格拉泽尔音乐学校。1919年，13岁的肖斯塔科维奇考入彼德格勒音乐学院。

        肖斯塔科维奇在音乐学院上学时，父亲不幸死于肺炎，家境十分艰难，一家人全靠母亲打字为生，冬天时，还不得不典卖大衣、家俱。为了减轻母亲的负担，肖斯塔科维奇课余便在一家电影院里弹钢琴，为无声电影伴奏。

        1925年，他完成了毕业作品《第一交响曲》。这部乐曲于第二年由列宁格勒交响乐团首演。肖斯塔科维奇的母亲生动地记下了当天的情景：“5月12日这一天终于到来。从早晨起来，一家人就都很兴奋。米佳（肖斯塔科维奇的爱称）更是激动不安，他一夜未曾合眼，连东西都吃不下。晚上8点半，我们换好衣服，前往剧场。9点时，剧场已坐满了。指挥走上舞台，我屏住呼吸静静等待他开始。多么好的音乐，多么棒的音乐会！听众们情绪高涨，《谐谑曲》乐章奏了两次。最后，米佳谢了好几次幕。音乐会后，老师们都来家里向米佳祝贺。格拉祖诺夫虽然未能来家里，但也抱病出席了音乐会。”

        本世纪20年代中期，大量的国外当代音乐作品涌入苏联，肖斯塔科维奇眼界大开，深深为之着迷。但他后来写的几部作品，却未能取得成功，有的还受到了严厉的批判，遭到禁演。1936年，他完成了《第四交响曲》。排练过程中，演奏员们都很不感兴趣，还未排完，连肖斯塔科维奇也坐不住了，索性作罢。

        第二年，肖斯塔科维奇完成了纪念十月革命20周年的《第五交响曲》，获得了巨大成功。演奏到《终曲》乐章时，群情振奋，全场听众一致起立，合着音乐鼓掌。

        卫国战争开始后，肖斯塔科维奇移居临时首都古比雪夫。他报名要求奔赴前线，未能如愿，便积极投身于民防工作，担任了一名民兵消防员。不久，传来了列宁格勒被围的消息。这时，肖斯塔科维奇正在创作《第七交响曲》。他在电台发表讲话说：“我的全部工作和生活都与列宁格勒共存亡”，并把这部作品献给了故乡列宁格勒和英勇战斗中的故乡人民。

        1942年7月，一架运送药品的飞机把《第七交响曲》的总谱送到了兵临城下危急之中的列宁格勒。列宁格勒政府召集了留在本市的15名音乐家，又从前沿部队抽调回一些入了伍的演奏家。在隆隆的炮火声中，这个临时组建的乐队团结奋战迅速把作品搬上舞台。几天中，他们不顾疲劳饥饿，怀着悲壮的心情连续演奏，前方将士分批前来聆听作曲家的声音。这部作品的演出，成为音乐史上震撼人心的壮举，极大地鼓舞了列宁格勒人民克敌制胜的决心。

        乐曲总谱同时还用微粒摄影技术拍成图片，航空运至美国和英国。美国指挥家们都自告奋勇争相夺取首演权，结果，由著名指挥家、反法西斯战士托斯卡尼尼率先执棒与库塞维茨基等一流指挥家轮番上阵。身处反法西斯战争中的美国听众大受感动，哥伦比亚广播公司立刻向苏联政府预付了肖斯塔科维奇还没写的《第八交响曲》的初播酬金。美国方面曾多次邀请作曲家赴美访问，但碍于战争，肖斯塔科维奇一直未能成行。

        肖斯塔科维奇的这首交响曲成为他创作生涯中的一个里程碑，为他赢得了广泛的世界声誉。1943年后，他定居莫斯科，在莫斯科音乐学院担任作曲教授。

        1949年3月，肖斯塔科维奇曾去美国参加世界和平学者大会，但当时正处在冷战时期，所以未能与美国同行和听众进行广泛接触。

        同年，肖斯塔科维奇完成了又一部大获成功的作品，清唱剧《森林之歌》。但不久因受到批判，被免去莫斯科音乐学院教职，直到1960年才得以恢复。

        1955年冬天，肖斯塔科维奇在列宁格勒推出新作《a小调小提琴协奏曲》，再次引起轰动。第二年2月在莫斯科的首演中，奏完第三乐章后，乐队不得不停止演奏，请肖斯塔科维奇上台接受观众的掌声致敬。

        1966年，肖斯塔科维奇因过度劳累患了心脏病。1975年8月9日，年高望重的作曲家于莫斯科逝世。

        肖斯塔科维奇与普罗科菲耶夫的不尽相同处，在于他是苏维埃政权下培养成长的第一代作曲家，而且一直在国内勤勤恳恳地工作。遗憾的是，他们都遭受过同样未必公正的政治待遇。然而，肖斯塔科维奇终究不愧为俄罗斯人民的忠实儿子，他继承和发展了俄罗斯音乐的优秀传统，为人类的进步音乐文化做出了卓越的贡献。


交响曲列表：
第一 (1925年) - 一部清新有活力的作品。风格近似于斯特拉文斯基和普洛科菲耶夫。他的音乐学院毕业作品。

第二 (1927年) - "致十月" - 实验性很强的单乐章作品。由混乱转变为有序，再加入赞颂列宁的合唱。

第三 (1929年) - "劳动节" - 另一部实验性的带合唱的单乐章作品.

第四 (1936年) - 一部大型的马勒风格的作品，创作过程中断了很多年。

第五 (1937年) - 作曲家最受欢迎和成功作品。

第六 (1939年) - 风格类似于第五。

第七 (1941年) - "列宁格勒" - 创作于二战列宁格勒保卫战期间。作品中最长的一部，反映苏联人民的战斗精神。

第八 (1943年) - 一部非常阴沉的反映战争的交响曲。

第九 (1945年) - 一部紧凑的作品，轻松的风格接近于第一交响曲。

第十 (1953年) - 通常被认为是他最好的作品。

第十一 (1957年) - "1905年" - 反映1905年的冬宫屠杀。

第十二 (1961年) - "1917年"

第十三 (1962年) - "Babi Yar" - 更接近于一部声乐作品。基于诗人Yevgeny Yevtushenko 反映二战期间Babi Yar屠杀的诗。

第十四 (1969年) - 有11个乐章的作品，接近于声乐作品，由女高音和男低音演唱，歌词取自不同国家不同诗人的诗，主要表现了死亡，气氛十分阴郁。

第十五 (1971年) - 作曲家对自己一生的总结性作品，引用了罗西尼，瓦格纳和作曲家本人的一些音乐素材。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-9 at 07:52 ]

1894年8月10日京剧名伶刘赶三去世



         刘赶三（1817-1894），本名宝山，号芝轩，字韵卿；天津人，少年入学读书，青年时才名蜚声乡里。后因常往戏园观剧，渐渐入迷，道光年间入天津侯家后群雅轩票房。他初学老生，后改丑行，正式校身梨园做职业演员。从艺后，因有一次一日连赶三场演唱，被同行戏称为“赶三”，他遂以“刘赶三”为艺名。他是清同治、光绪年间京剧舞台第一代丑行代表，影响极为广远。
　　刘赶三嗓音清亮，擅长唱功，且白口爽利、清晰，在台上面冷工谑，敏惠过人，雄辩多才，不伤大雅。他继承和发扬了中国喜剧艺术警世讥俗的传统，善于在舞台上借题发挥，嘲讽权贵，抨击时弊，留下许多为世人传诵的趣闻。
　　同治皇帝在位时，因花天酒地导致身患恶疾而亡，刘赶三在演《请医》一剧时，即兴打诨说“东华门我是不去的，因为那门儿里头有个阔哥儿，新近害了病，找我去治，他害的是梅毒，我还当是天花呢，一剂药下去就死啦！我要走东华门被人家瞧见，那还有小命吗？”
　　戊戌维新后，慈禧与光绪结仇，看戏时，慈禧坐堂中，令光绪侍立于侧。刘赶三见状甚为不平，在演《十八扯》时，加了一段话白说：“别瞧我是假皇帝，还有个坐，那真皇帝连坐儿也没有。”这句话正好刺中慈禧隐恶，但欲怒无由，为掩众口，据说此后才准许光绪入座看戏。
　　光绪初年，赶三在宫里演《思志诚》一剧，饰演妓院老妈儿，演遇嫖客来时，恰巧惇王、醇王、恭王进来看戏，当时妓院中妓女均以排行相呼而无名字，他便在台上大声呼唤：“老五、老六、老七，出来见客呀！”一时台下哄笑不止。因为惇王行五，恭王行六，醇王行七，故赶三以此相谑。
　　有一次，刘赶三在清代某宦家表演《请医》，其中配角有句台词“当点儿神，别叫狗咬了。”赶三接着指台下说“这门儿里头，我早知道，是没有狗的，不过有的都是走狗！”
　　这几段轶闻都说明刘赶三作为一个喜剧演员以巧妙的方式，敢于蔑视权贵、揭露丑恶的无畏精神。
　　刘赶三最善演丑婆子，他家畜一驴，演《探亲家》时，骑真驴上台，满堂叫好。据说慈禧曾传旨允许他牵驴入宫演出。他演《拾黄金》一剧，能以两手拉胡琴，两膝各缚大钹，右足趾夹一锤，左足悬一锣，坐桌上唱《二进宫》，届时胡琴、锣鼓同时并奏，音节谐美，令人叫绝。
　　咸丰年间，刘赶三被清廷升平署招为供奉。鉴于他在京剧界的声望及杰出的建树，曾被推选为梨园精忠庙首，成为当时菊坛领头人。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-10 at 08:14 ]

1902年8月11日中国第一所专业艺术学校成立



        1902年8月，南京两江优级师范学堂成立，校址在南京北极阁下，它是国内最早

开设图画手工科的学校。当时的 师范教育，分优级、初级两级。优级师范即高等师

范，培养的师资系为中学以上的教师。而这所两江师范是单独的优级师范， 规模较

大，学生最多时达六七百人。

　　图画、手工以及后来添加的音乐课自创办起即已开设，图画手工科之能正式确立

为主科，不能不归功于当时的监督李 瑞清。李在晚清任过学部侍郎．晚年尤擅书

画，对艺术教育具有远大的眼光。据言，他“咨询校中各国教授，汇集东西各国师

范艺术教育设科之例”，“竭言亟应添设图画手工科的缘由”，向当时的学部提出呈

状，请求设置美术师范专科，“学科以图 画手工为主科，音乐为副科，兹单以图画

言之”、即有“西洋画(铅笔、木炭、水彩、油画)、中国画(山水、花卉)、用器 画

(平面、立体)、图案画等”。

1948年8月13日京剧名伶金少山去世



        金少山, 名仲义，北京人，满族，是金秀山的第三个儿子。他自幼随父学艺，自然是家学渊源。乃父金秀山是熔何（桂山）、穆（凤山）两派于一炉，而金少山则在此基础上又加以发展变化。金父虽会架子花脸，但并不多演，金少山则以铜锤和架子并重。凡是乃父不唱的架子花脸戏，而乃师祖何桂山又拿手的，他则不但都唱，而且直接继承乃师祖的唱法，如《取洛阳》、《黄一刀》、《太行山》、《龙虎斗》、《五台山》等。《御果园》、《白良关》则兼具何、金两派。他还有一位架子花脸的老师韩乐卿，演架子花尤擅武打，如《刀劈韩天化》等。他“倒仓”期间，向何通海学了不少开场戏，如《庆阳图》、《绝缨会》、《清河桥》等。还向屈兆奎学了一些恢谐戏……他在净行艺术流派上继承了这么多人，可算是博取兼收，为他日后的发展打下了坚实的基础。而他真正拜入门墙的却是小生名家德　如。因为金父是由德　如介绍从业余转为正式演员的，他们是通家之好，于是金少山就拜在德　如门下。

       金在上海时，梅兰芳来上海，必邀金合演《霸王别姬》，他有“金霸王”之称。杨小楼来上海，必邀金合演《连环套》，他有“铁罗汉”之誉。一九三七年，他从上海回到北京，以花脸挑班，与当时的名演员程砚秋、马连良、李少春等逐鲁鹿中原，并驾齐驱。当时的观众，耳必听金，口必谈金，他大红特红，在京剧史册上留下了灿烂的一页。

        金少山是净行中的卓异人才。他高达一米八、九，肩宽腰削，扮出戏来巍峨峥嵘。他在乃父创造的铜锤唱腔基础上，吸收架子花脸的唱功与做工，突破了两者严格的界限。他对吐字、润腔、气口等技巧的运用精到细致，他除去不能翻筋斗外，可称全才花脸。他的舞台艺术，大大超过了前人，包括乃父。而他所创立的“新金派”，凭借他那龙虎风雷、震山撼岳的声腔艺术及精湛卓绝、博大精深的表演艺术，推动京剧铜锤艺术的发展，并为铜锤戏打了一个翻身仗，一直影响到裘盛戎的独挑大梁，创造出影响广泛的“裘派”艺术。

        他的嗓音宽厚洪亮，要高有高，要沉有沉，“龙”、“虎”、“风”、“雷”四音具备。不仅声若洪钟，音量绝大，音域极宽，而且音色饱满，每一放歌，有巨流出峡、飞瀑悬崖之概。其念白功力深厚，吐字同样圆浑有味，韵白庄而猛，京白脆而甜，在“风搅雪”京白、韵白混用时，转换衔接自然之极。他的做工以大幅度的形体动作，生动的面部表情和凌厉的眼神，结合步法或借助道具（令旗、马鞭）来塑造人物，以刻画凶狠、憨厚与风趣的角色最为见长。有一次他在北京长安大戏院演《草桥关》，打大引子到“征胡奴”三个字，一翻高，震得有些女观众要求与后排的人调换座位。可想而知他的嗓子有多棒！

        正因为他的嗓子太棒了，所以，在他所灌的唱片中很难听出他的真正艺术魅力。原因是他的音量太大，如用全力，那时的录音设备会不胜负荷。他在灌唱片时，不是降调门，就是压低嗓音，甚至请他站到乐队的后面或屋门外去唱。这不但是他本人的遗憾，也是后人的遗憾。

        金少山戏路极宽，常演剧目有《探阴山》、《铡美案》、《打龙袍》、《锁五龙》、《黄一刀》、《李七长亭》、《下河东》、《打严嵩》、《闹江州》、《取荥阳》、《黄鹤楼》、《庆阳图》等等。

        金派花脸因嗓音要求高，能全面继承其艺业的传人不多，弟子有赵炳啸、吴松岩等，王泉奎、娄振奎等亦师其艺。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-14 at 10:26 ]

1960年8月14日英国声乐家莎拉·布莱曼出生



个人档案
        ●1960年8月14日出生于英国伦敦，为六个孩子中的长女。

　　●三岁始学跳舞，曾就读Elmhurst芭蕾学校及伦敦艺术教育学院。

　　●十三岁便在伦敦的皮卡迪利(Picadilly)剧院，参加了戏剧“Iand Albert”的演出。

　　●十六岁时曾经在电视节目《Pan's people》中担任舞群之一。

　　●十八岁是加入Aroene Phillops的舞团Hot Gossip，并以由她担任主唱的“Ilost my heart to a starship Troop”获得她生平第一张全英Top l0单曲。

　　●1981年，莎拉参加了著名音乐剧《猫》的首演。

　　●1982年，她参与制作并主演了一部颇受好评的儿童歌剧《夜莺》。

　　●1984年，她再度参演安德鲁·洛伊韦伯的音乐剧《歌剧院幽灵》。

　　●1985年，她先后在伦敦、纽约担任安德鲁.洛伊韦伯古典音乐《安魂曲》的首演及录音，与她一同单纲的男主唱则是当今三大男高音之一的多明戈。她同时因为这个演出获得葛来美奖《最佳古典新艺人》的提名。这一年她与洛伊丰伯结婚。

　　●1986年，伦敦的“女王陛下剧院”推出了堪称本世纪最著名音乐剧之一的作品《歌剧院幽灵》，莎拉主演了历任中最令人难以忘怀的女主角克莉丝汀。这个演出将她的演艺生涯推上了第一个高峰。

　　●1988年1月，《歌剧院幽灵》首度于美国百老汇演出，莎拉的魅力继而征服了新大陆。她因此被Drama Desk大奖提名为最佳女演员，同年她为EMI古典录制了一张艺术歌曲专辑《天籁森林》演唱英国作曲家布瑞顿所改编整理的英国民谣，这张专辑为她进一步的古典声乐演唱赢得相当的好评。

　　●1989年录制专辑《The Song That Got Away》。

　　●1990年，录制专辑《As I Came 0f Age》。同年，她主演了这年十二月推出的洛伊韦伯的新作〈爱的观点〉，同时参加了一直持续到次年的“洛伊韦伯音乐作品”美国巡回演出。

　　●1992年，参加“洛伊韦伯音乐作品”日本巡回演出。同年，与三大男高音之一的卡雷拉斯合唱了当年巴塞罗纳奥运的闭幕主题曲“永远的朋友”。

　　●1993年，发行了专辑《Dive》。

　　●1994年，赴日与多明戈共同举行演唱会。

　　●1996年，录制专辑《飞翔》(FLY)，同年底，受邀去德国参加重量级拳王马斯克的退休演唱会。

　　●1997年，专辑《永志不渝》与同名单曲《告别时刻》同时横扫全球唱片市场，创下超过250万张的惊人销售记录。

　　●1998年12月，个人专辑《重返伊甸园》(EDEN)在台湾上市，为欧洲以外的地区世界首卖。发行两周，台湾地区销售量已逼近白金唱片。

　　●2000年4月，大碟《月光女神》(La luna)发行。

　　●2003年5月，发行最新专辑《一千零一夜》(Harem)。Harem是以中东传说为基底所编织而成的一次音乐奇想之旅，整张专辑呈现出来的是广袤沙漠、无垠空间以及那种平和与充满灵性的感觉，这张专辑可能是莎拉布莱曼到目前为止最独特且最具个人特色的作品，不但展现了她在作曲方面的才华，她充满热情的创意构思以及举世无双的天籁歌声也都在其中淋漓尽致地呈现出来。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-14 at 20:03 ]

1929年8月15日著名评剧表演艺术家，评剧花派创始人花淑兰出生




        1929年生，出生在河北省唐山林西一个梨园世家。原名叫葛淑兰。八岁随母学戏，十一岁开始登台演戏。她天赋条件好、嗓音高脆，甜润清新，加上学艺勤奋刻苦，曾拜刘子西为师，吸取刘翠霞、爱莲君两派之长，逐渐形成明快华丽、跳跃多姿的演唱和表演风格。她戏路极广，能胜任小旦、花旦、青衣甚至是小生各个行当。十二岁便在唐山、秦皇岛、天津等地演出。1946年崭露头角后，进入北京演出，她以《刘翠屏哭井》和《保龙山》打炮而红，由于的演唱既有刘翠霞高亢、刚劲的韵味，又有爱莲君唱腔里的玲珑、俏皮、华丽的特点，所以倍受欢迎。

        日本帝国主义投降后，她在张家口演出，排演了《白毛女》、《血泪仇》《兄妹开荒》《夫妻识字》等有革命内容的新戏。全国解放后，技艺精湛，声誉日隆。1953年以一出《茶瓶计》获东北汇演优秀表演奖，之后加入沈阳评剧院。花淑兰在几十年的艺术生涯中，演出了百余出传统戏和现代戏。为评剧艺术发展做出了突出的贡献。

        花淑兰艺术成熟的黄金时代是新中国成立后。她的演唱特点是嗓音甜润，脆而亮，唱腔高亢流畅、华丽清新，表演活泼，自然、大方。她擅演花旦戏，《茶瓶计》是她的代表剧目。她在这出戏里充分发挥和显示了她继承和发展刘派和爱派演唱的艺术特色，丰富了小丫鬟春红的音乐形象。加上边歌边舞，情趣横生，把个机灵、活泼、顽皮天真无邪的小春红，表现得活灵活现。

        花淑兰演唱的特点是声音有力度，共鸣好，音域宽，能唱到15度，音高超越了刘翠霞，她充分发挥其优势，使花腔在高音区行绕，听起来坚实有力，又华丽跳荡，巧妙地将刘、爱与会代表两派的演唱艺术融为一体，形成她自己独特的演唱风格，深受同行喜爱，纷纷仿效，自然形成一支新的流派——花派。

        她的代表剧目有：《茶瓶计》《黛诺》《谢瑶环》《牧羊圈》《小女婿》等。弟子有郑桂芳、冯玉萍、赵俊芝、曾昭娟、谢郁文、张秀云、爱丽珍等。

１９７７年８月１６日，世界著名摇滚乐歌手艾尔维斯.普莱斯利（猫王）辞世





      １９３５年１月８日，猫王出生在美国南方的一个小村镇，叫图普洛。二次大战结束后，猫王随父母迁徙到田纳西州孟菲斯市。猫王的父亲是个卡车司机，经常失业，一家人在生活中很少看到玫瑰色。１６岁时，他就开始干活，或给有钱人修剪草坪，或开卡车，挣点钱贴补家用。孟菲斯市位于密西西比河畔。这是一座痛苦的城市，也是布鲁斯音乐（一种伤感的美国黑人民歌）的故乡。猫王从小喜欢音乐。夜晚，他听当地广播电台放的音乐节目，黑奴后裔们唱的福音赞美诗使他身心愉悦。后来，他得到一把吉他，就自己弹弄。

　　有时候，他也去城里比勒街上去溜达，那条街上有很多家下等民歌厅。他也曾克服腼腆心理，斗胆上去唱一唱，人们只是发现他有一副天赋的好嗓子，唱完还是去当每周挣几十美元的卡车司机。有一次，在乐曲休止间，为了使乐队开心，他晃荡左腿，摇摆胯骨，随后，他的嗓音也同身体动作相配合，把黑人的心灵和热情溶入已被唱滥了的牛仔歌曲，结果竟唱出了奇迹。１９５５年，他的一曲《伤心旅馆》不仅倾倒黑人，而且也受到白人的喜爱。１９５８年，猫王去服兵役，又为摇滚音乐走向世界点了一把火。

　　１９５６年，当猫王刚开始走红的时候，美国一位红衣主教就发表讲话，提醒人们警惕在一部分美国青少年中正蔓延着一种新的信仰。他说，这种信仰崇尚粗鲁、无礼、非道德和堕落，还说猫王道德不良。但他的话没起什么作用，猫王的歌曲越来越火爆，猫王也成为美国青少年、特别是少女们崇拜的偶像。每次他在台上一开始动作，台下青少年的座椅就跟通了电一样，这些观众也如醉如痴地跟着摇滚起来。

　　这一年，在美国２０张最畅销唱片中，有１４张是猫王的作品。他首次去好莱坞拍了电影《温柔地爱我》，电影拍成后仅放映４天就收回了成本。这个纪录保持了近２０年，才被《星球大战》这部影片打破。这一年，他财源滚滚，一下子成为百万富翁：电视出场费１０万美元，演唱会收入２０万美元，唱片专利４５万美元，签订的片约２５万美元。而１８个月以前，他还是个每周只挣３５美元的卡车司机。

　　但是，他大红大紫的时候，也是他悲哀的开始。这一年，他在全美国东奔西跑地演出，行程几万公里。由于缺少睡眠，他在神经上受到了损害，记忆力下降。他也是孤独、酒精和毒品的受害者。后来，他在佛罗里达住进医院，医生建议他休息，但他已身不由己。１９７７年６月，他最后一次在拉皮德城举行演唱会时，连《温柔地爱我》这首歌的词也记不起来了。８月１６日，他去世了，当时他才４２岁。他一生中共录制了各种歌曲７２０首，开了１６００多场演唱会，平均每两天半就有一场。他太疲倦了。

　　猫王离去了，但他把摇滚乐发展到登峰造极的地步，战后美国一代又一代的年轻人都痴迷于他。猫王的演唱确立了摇滚乐的楷模，后来所有摇滚歌手都步其后尘而行。他的唱片共卖出１５亿张，连今天最红的歌星迈克·杰克逊也难望其项背。他在世时，就同玛丽莲·梦露、约翰·肯尼迪一样，成为传奇人物。他死后，人们对他就像对待一种宗教一样。今天，在美国可能有不知道总统姓甚名谁的人，但却找不到不知猫王的人。根据美国一家权威的民意测验机构最近公布的调查结果，至今仍有１７％的美国人相信猫王并没有死，他仍活在某个地方，说不定什么时候他就会露面。

1893年8月17日民间音乐家华彦钧诞生   



        华彦钧，人称阿炳，中国民间音乐家，江苏无锡人。他青年时患了眼疾而双目失明，一生坎坷。失明后，他常身背琵琶，手提胡琴在无锡街头和惠山一带演奏，故人称“瞎子阿炳”。

        1893年8月17日阿炳出生在无锡雷尊殿旁“一和山房”。父亲华清和（号雪梅）为无锡洞虚宫雷尊殿当家道士，母亲秦氏出身农家，曾嫁与秦家，婚后不久便守寡，与华清和的结合遭到族人痛骂，在阿炳出生一年后便郁郁而终。阿炳一生下来就被父亲送至无锡县东亭镇小泗房巷老家托族人抚养，８岁后带回道观，取学名华彦钧，小名阿炳，并被送入私塾读书。

        华雪梅精通各种乐器和道家音乐。而阿炳幼时便表现了罕见的音乐天赋，在他１０岁那年，父亲便教他迎寒击石模拟击鼓，练习各种节奏（后成为当地有名的司鼓手）。１２岁那年，阿炳开始学吹笛子，父亲经常要他迎着风口吹，且在笛尾上挂铁圈以增强腕力，后来索性将铁圈换成了秤砣；阿炳在学二胡的时候，更加刻苦，琴弦上被勒出血痕，手指也拉出了厚厚的茧，阿炳演奏用的二胡的外弦比一般弦粗壮得多，这与他常年练习分不开的。１７岁时，阿炳正式参加道教音乐吹奏，他长得一表人才，还有一副好嗓子，被人们誉称为“小天师”。

        1914年，华雪梅去世，阿炳成为雷尊殿的当家道士，与堂兄华伯阳轮流主管雷尊殿的香火收入。后由于经营不善，阿炳又染上鸦片恶习，生活逐渐潦倒，在他34岁那年，双目相继失明，因生活所迫，流浪街头，卖艺为生。1939年，阿炳与江阴农村寡妇董彩娣结为夫妇。

       1950年夏，中央音乐学院杨荫浏、曹安和教授专程来无锡为阿炳演奏录音，此时阿炳已完全荒弃音乐达三年之久，经过三天的练习，分两次录音，共留下《二泉映月》《听松》《寒春风曲》三首二胡作品和《大浪淘沙》《龙船》《昭君出塞》三首琵琶作品。但阿炳自己最得意的《梅花三弄》因为录音钢丝不够而没有录制。后《二泉映月》、《大浪淘沙》获二十世纪华人经典音乐作品奖。

        1950年9月，中央音乐学院民乐系拟聘阿炳为教师，但当时他已身患重病，无力应聘，12月4日与世长辞，葬于无锡西郊山脚下“一和山房”墓地，1951年3月27日其妻董彩娣病故。

        阿炳在音乐上的成就，远远超越了家传师承的藩篱，博采众长，广纳群技，把对痛苦生活的感受，全部通过音乐反映出来。他的音乐作品，渗透着传统音乐的精髓，透露出一种来自人民底层的健康而深沉的气息，情真意切，扣人心弦，充满着强烈的艺术感染力。

1881年8月19日罗马尼亚小提琴家埃乃斯库出生



        埃乃斯库4岁起随民间艺人学琴,7岁入维也纳音乐学院预科班,9岁入音乐学院本科,从小黑尔梅斯贝格学琴,1894年毕业后,翌年又入巴黎音乐学院从马尔西克学琴.16岁以作曲家身份在巴黎举办个人作品音乐会,1899年在巴黎音乐学院毕业后,作为小提琴家开始巡回演出.其演奏自然朴素,真切动人,在表现快速乐段时充满了魅力.埃乃斯库1932年起成为罗马尼亚科学院院士,被尊为新罗马尼亚民族乐派的开创者.

1926年8月19日著名曲艺表演艺术家魏喜奎出生




        魏喜奎（1926、8—1996、3），著名曲艺表演艺术家，生于河北省唐山市。自幼随父学唱乐亭大鼓，后改学唐山大鼓。12岁随父到北京，正式登台，一举成名。 新中国成立之后，她将唐山大鼓改为奉调大鼓，并与曹宝禄等曲艺名家创演北京曲剧。1957年初，演出《杨乃武与小白菜》，并拍成彩色影片。同年，参加第六届世界青年联欢节，在“东方歌唱比赛”中荣获金质奖章，成为北方曲艺界荣获国际奖的第一人。1984年2月，创演戏曲独唱会，一人演唱梅花、京韵、乐亭、奉调四种大鼓，单弦及曲剧选段，开戏曲演员办独唱会之先河。
        1987年7月，率中国曲艺团赴美国演出。1992年3月，应邀赴台湾举办“海峡两岸鼓曲大展”演出，并再几所大学讲课，成为海峡两岸隔绝40年戏曲界正式前往台湾做艺术交流的第一人。1995年3月，成立“魏喜奎艺术发展促进会”。 曾任历届北京市政协委员、常委；中国戏曲家协会常务理事；北京市戏剧家协会赴主席；北京曲艺、曲剧团副团长等职。
        代表剧目：《杨乃武与小白菜》、《啼笑因缘》、《箭杆河边》、《方珍珠》、《泪血樱花》等。

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1955年8月20日歌手陈美龄出生



        陈美龄（英文名Agnes Chan，日文名アグネス・チャン，1955年8月20日－）是歌手、教育学博士、大学教授、随笔作者、小说作者、日本联合国国际儿童紧急基金协会大使。

        陈美龄生于香港。初中开始参加义务活动，抱着吉他唱歌，呼吁募款，并得到机会和大姐陈依龄一起灌录美国歌手Joni Mitchell原唱的“The Circle Game”，深受香港群众的欢迎。受日本著名歌手、作曲家平尾昌晃邀请，她于1972年赴日灌录“虞美人花”。1973年以“草原光辉”一首歌得到日本唱片奖新人奖，以她的清澈高声和可爱的外表和刚刚学起的有趣日语表现，风靡一时的人气偶像了。进入上智大学国际学系学习后不久，听从父亲的意见，突然表示退出娱乐界，赴加拿大多伦多大学留学学习社会儿童心理学。1978年毕业后，再次赴日本，重新进入娱乐界，1979年在香港发表首张粤语唱片《雨中康乃馨》。1984年应征写一篇纪念国际青年年的和平论文《以歌声呼吁和平》，得到特别奖。同年首次回到母亲的故乡贵州省贵定县。1985年她在北京首都体育馆动员（？）5万4千人，为宋庆龄基金会义演，这成为她在中国的首次演唱会。同年，为了日本电视台的慈善节目《24小时电视》，陈美龄赴干旱和饥饿状态的埃塞俄比亚进行采访活动。通过这些慈善活动，在忙于演唱活动的业余，重新开始参加义务活动了（？）。1986年，她和原经纪人金子力结婚，在加拿大生了长子。翌年，携带婴儿到电视台等工作场所，和一些持有反对意见的人进行了“美龄论争”，成为日本男女都关心的热门话题，“美龄”一词也得到当年日本流行语大奖大众奖。通过这场社会论争，日本的劳动母亲和女性的立场也重新受到关注。1989年她去美国留学，进入斯坦福大学教育系博士课程，在当地生了次子。她以调查日本东京大学和斯坦福大学毕业生的十年后的情况，日美两国的男女待遇的相差，得到教育学博士称号（ Ph.D.）。后来她也继续作为随笔作者、大学教授，在日本各地演讲，1998年就首任日本联合国国际儿童紧急基金协会大使。2000年起在情绪歌谣领域（？）演唱，2001年唱了一首原为邓丽君作曲的歌“忘也忘不了”。2002年出版日语小说《完美的情侣》和《子弹作的戒指》，也成了小说家。最新发表的一首歌是“心中的旅客”。

专辑唱片(CD)
1971年　《Will the circle game be unbroken》
1972年　《ORIGINAL (1)》、《虞美人花》(日语)、《With Love from Agnes》
1973年　《如花、如星》(日语)、《草原光辉》(日语)、《FLOWER CONCERT》(日语)
1974年　《美龄的小日记》(日语)、《我和你的演唱会》(日语)、《燕飞翔》
1975年　《对你说谢谢》(日语)、《小小恋爱故事》(日语)、《全家演唱会》(日语)、《青春，你好》(日语)、《Loving Songs》、《我在恋爱》
1976年　《Mei Mei 时常梦想》(日语)、《后会有期》(日语)、《爱人哪里去寻找》、《AGNES CHAN》、《爱的记忆》(日语)
1977年　《How are you? 你好吗？》(日语)、《私的恋人》(日语)、《从加拿大送爱情》(日语)
1978年　《Happy Again》(日语)、《预备跑》(日语)
1979年　《AGNES IN WONDERLAND 美龄游仙境》、《ABC AGNES》、《雨中康乃馨》、《美しい日々》(日语)
1980年　《MESSAGE》(日语)、《晨星・情劫・流浪客・问我是谁》、《归来的燕子》
1981年　《Love Me Little Love Me Long》(日语)、《爱的咒语》、《痴恋・忘忧草》
1982年　《漓江曲》、《HALF TIME・Christmas Song Medley》(日语、英语)
1983年　《小小质问》(日语)、《Girl Friends》(日语)、《愿你继续醉》
1985年　《爱的Harmony》、《就要找到爱情 CITY ROMANCE》(日语)
1990年　《Dear Agnes Carpenters Collection》
1992年　《世界儿歌催眠曲全集I～V》
1997年　《陈美龄精选》
1999年　《世界催眠曲儿歌名曲集》
2000年　《美龄的开心儿歌》(日语)、《美龄的英语歌》、《Melancholy》、《LOVE PEACE＆FREEDOM》
2001年　《私小说－My Love Story－》(日语)
2002年　《陈美龄CD BOX》(日语)

主要著作
1983年　《美龄　我的中餐》(日语)
1984年　《以歌声呼吁和平》(日语)
1984年　《大家都是生活在地球上的人》(日语)
1993年　《新的女人》(日语)
1996年　《大家都是生活在地球上的人　续集》(日语)
1997年　《美龄的香港指南》(日语)
1999年　《THE ROAD WINDS UPHILL ALL THE WAY》(英语，共著)、《大家都是活在未来的人》(日语)
2001年　《美龄的积极育儿》(日语)
2002年　《完美的情侣》(日语小说)、《子弹作的戒指》(日语小说)
2003年　《这条路上的风吹到山冈上》(日语，共著)

1862年8月22日法国作曲家德彪西诞生




        克劳德·德彪西（Achille Claude Debussy，1862—1918年），法国作曲家，印象主义音乐的创始人。德彪西于1862年8月22日出生于法国巴黎近郊的圣·日耳曼·昂莱，1918年3月15日因患癌症而死于巴黎。幼年时德彪西最喜欢的是大海，他的父母亲每年夏天都要带他去戛纳海边避暑，自然迷上了美丽的大海，以至于他的父母曾一度想把他培养为一名海员。他后来未当上海员是由于他找到了更让他着迷的东西——音乐。尽管如此，他仍创作了不少与大海有关的作品，例如描写大海的代表作——交响诗《大海》。德彪西9岁开始学习钢琴演奏，1872年10岁时进入巴黎音乐学院学习。1884年他因创作康塔塔《浪子》而获得罗马大奖，并按规定开始了他为期三年的罗马留学生活。他向艺术院提交的《朱丽玛》、《春天》等作品并未获得艺术院的好评，他们警告他说：“对这种暖昧模糊的印象主义倾向，应有足够的警觉。”其实，作为法国音乐印象主义流派的创始人和主帅，这些作品正是他创作风格的初现。从意大利回国后，德彪西专门从事音乐创作，极少再作为演奏家在公众场合露面。1892—1894年，德彪西创作了他第一部具有重要影响的管弦乐作品《牧神舞后序曲》，这一作品奠定了印象派音乐的风格，自此以后，德彪西进入了他创作的丰收期，这一时期共持续了将近20年。在此期间他创作了大量作品，包括管弦乐组曲《夜曲》、《大海》、《肖像》；芭蕾舞曲《游戏》；许多钢琴曲、歌曲和室内乐曲等。1905年3月，德彪西完成了交响诗《大海》的创作，这是他献给他终生喜爱的大海的赞歌。1905年10月，交响诗《大海》首演，由于他的个人生活不为人们所赞赏，其作品也受到牵连，遭到了保守派的攻击，但这部作品的确是德彪西具有代表性的力作之一，最终还是得到了音乐界的高度评价。

        德彪西的风格是20世纪音乐中最具影响力的风格之一。他从学生时代起就不愿遵循墨守成规的正统音乐理论，他曾宣告：“理论是不存在的，音乐的意义就是聆听，快感就是法则。”他偏爱法国印象主义画家和诗人所崇尚的“轻描淡写”的艺术效果，他喜欢自己的作品听起来像是即兴而作，他还常常给自己的作品冠以古怪离奇的标题，如《西风看见了什么》、《飘荡在晚风中的声音和香味》等等。

        德彪西共创作4部歌剧，而真正完成的只有《佩利亚斯与梅里桑德》。这部歌剧作于1892—1902年，改编于梅特林克的同名剧本，创作期历时10年，但对他来说是收获和创新最多的成熟时期，它凝结了德彪西所有在音乐领域内的伟大探索。《佩利亚斯与梅里桑德》首次演出时的评论毁誉参半，遭到不少责难，但经过一再上演，理解它的人逐渐增多，终于成为划时代的新的现代歌剧。这部五幕歌剧的剧情叙述阿莱蒙德国王阿凯尔（Arkel）的孙子戈洛（Golaud）在山林中遇到梅里桑德，她在哭泣，戈洛爱慕她，与她结婚。但梅里桑德与戈洛的异父兄弟佩利亚斯产生了爱情，戈洛妒火中烧，最后杀死了佩利亚斯，又猛击梅丽桑德。梅里桑德受重伤后，临死前产下一女，戈洛后悔莫及。此剧经德彪西处理，故事并不连贯，只是一连串象征性情景的延续，描绘出一个梦境般的世界。罗曼·罗兰因此而称德彪西为“一个伟大的梦境画家”。音乐加强了戏剧中深沉静寂的气氛和宿命论的暗淡色彩。声乐部分没有咏叹调和激昂的歌唱，全部用近似于朗诵的音调写成：乐队音响柔和，配器优美，起到与诗歌结合、衬托诗意和渲染气氛的作用。该剧雕琢拘谨，表情含蓄，乐汇朦胧，既没有明确的主题性质的旋律，也没有宣叙调和咏叹调之分；独唱部分经常是同音反复式的喃喃私语般的吟哦，稀稀拉拉的音符懒散地撒在狭窄的音域里，全剧亦没有重唱、合唱的烘托，仅在第四幕有一段佩利亚斯与梅里桑德的“二重唱”，亦以单声部吟哦的线条为主。乐队部分的全奏只有四次。从头至尾都以弱奏刻画心理变化。但全剧的音乐进行连绵不断，各场之间有间奏的连接。德彪西和瓦格纳一样都想使得歌剧更戏剧化一些，但德彪西采用的是让“高唱”转为“低吟”的方法，使诗和音乐浑然一体。音乐在不知不觉中为诗树立架构。他的思路可以说比任何作品更接近歌剧创始者们的理想。德彪西的三幕歌剧《罗德利戈与西梅纳》作于1890—1892年，由曼德斯撰脚本，未完成；两幕歌剧《阿夏家的没落》改编于爱伦·坡的同名小说，自撰脚本，作于1904—1908年，未完成，1983年由布林（Blin）整理完成。

        德彪西一生创作的作品并不算很多，但他的作品每部都具有突出的特色。他的作品与古典主义音乐相去甚远，既看不到古典主义音乐的严谨结构、深刻的思想性与逻辑性，也看不到浪漫主义音乐的丰富情感，其音乐包含的是奇异的幻想色彩、细腻繁复的和声和新奇而富有特色的配器。德彪西的音乐具有划时代的意义，尤其是他那独特的“印象主义”风格，对20世纪现代音乐有着直接而巨大的影响，因此他被人们视为20世纪现代音乐的创始人，为欧洲音乐从古典传统过渡到现代音乐体系架起了桥梁。

        德彪西只写作了《佩利阿斯和梅利桑德》这一部歌剧，但他创作这歌剧的十年间（1892--1902）对他来说是收获和创新最多的成熟时期。 《佩利阿斯和梅利桑德》首次演出时的评论，毁誉参半，遭到不少责难，但经过一再上演，理解它的人逐渐增多，终于成为划时代的新的现代歌剧。

        在这部歌剧中，即没有咏叹调也没有合唱。剧中的音乐集全力于管弦乐方面，其和声始终贯串着四度和弦、全音阶、不解决的不协和弦等，因而是以他完成的印象派和声贯串全剧始终。他主张歌曲没有旋律上的发展，只不过是吟咏或是宣叙，并认为音乐绝不应妨碍剧中人物的情感和热情的表现。不仅如此，他们的动作、喊叫、喜悦和悲哀等，都应依样自由地、完全地表现出来，于是他认识到过去的歌剧中歌曲太多。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-22 at 08:05 ]

1960年8月23日音乐剧剧作家、歌词作家和出版家奥斯卡·汉默斯坦二世病逝





        他在1895年7月12日出生于纽约市。奥斯卡是著名的音乐剧剧作家、歌词作家和出版家。他出身于戏剧世家，因与祖父同名同姓．故冠以二世以示区别。他祖父奥斯卡一世是歌剧赞助人兼经理人，把经营不动产赚来的钱大量捐赠给剧院，他建立了维多利亚剧院，又在纽约曼哈顿和费城建立了歌剧院。当时他创建的歌剧团与大都会歌剧团并驾齐驱。而奥斯卡的父亲威廉则是维多利亚剧院的经理。汉默斯坦二世本人虽然在哥伦比亚大学学法律，但他始终认为他命中注定要寻求的职业是戏剧。他不喜欢念法律，更不喜欢在律师事务所干过的那段半日实习工作，他决定退学去搞戏剧。起初从他叔叔那里弄了个舞台经理的工作。1920年，剧作家奥托·哈白克(Otto Harbach)成了他的良师益友，奥斯卡常与奥托·哈巴克合作，而哈巴克正是20年代使百老汇通俗演出得以走红的人。奥斯卡在1920年给赫伯特·斯托萨特(Herbert Stothart)作曲的音乐剧《总是你》(Always You)写了故事脚本和歌词。他们为《罗丝马丽》(Rosemarie，1924)和《沙漠之歌》(The Desert Song，1926)作了词。
        奥斯卡早期创作的里程碑是《演出船》(Snow Boat，1927)的脚本，它和当时潮流中的剧目很不同，它真正吸取并升华了美国独特的历史和传统。这是他和作曲家杰罗姆·柯恩(Jerome Kern)的合作产物，其中“老人河”(Old Man River)一歌已名扬世界，《演出船》在美国的音乐史上占有重要的地位。此后和柯恩又合作了好几部音乐剧，比如，《甜蜜的艾德琳》(Sweet Adeleine，1929)、《空中音乐》(Music in the Air，1932)以及《五月的天真热》(Very Warm for May，1939)。他们也给电影写过不少东西。
        奥斯卡与杰罗姆·柯恩的合作是不太顺利的，柯恩是固执而专断的人，总要在公众场面出头露面。而奥斯卡却是绅士派头，彬彬有礼、博学多才，总是能与各种不同的人合作。奥斯卡是百老汇音乐剧历史中一个承先启后的大师。
        从1943年开始，奥斯卡开始了与作曲家理查德·罗杰斯(Richard Rodgers)的长期合作伙伴关系，两人意趣相投，珠联璧合，创作了一系列被公认是音乐剧中的经典名作，他们的许多成功作品大多被搬上银幕。汉默斯坦和罗杰斯起初不是合作伙伴。汉默斯坦主要写剧本和作词，有轻歌剧的训练背景，他非常看重剧情进展所应有的表现，而不主张受传统的音乐喜剧模式的束缚，他主张不要受任何模式的限制去探讨最直接的，也是最佳的讲述戏剧故事的方式。汉默斯坦打破了传统的音乐喜剧的开场僵硬模式。他们合作的第一个作品是《俄克拉荷马》(Oklahoma！)(1943)，像《演出船》一样，这也是充分反映美国本土生活和文化的剧目，对美国戏剧产生了不可估量的影响。此后他们两人合作写了《旋转木马》(Carousel)(1945)，《南太平洋》(South Pacific)(1949)，《国王与我》(The King and I)(1951)，《音乐之声》(The Sound of Music)(1959)。奥斯卡曾于1943年把法国歌剧作曲家比才(Bizet)的《卡门》一剧改写为《卡门·琼》(Carmen Jone)由全班黑人上演(1943)，该剧共演了502场次，并于1954年拍成电影。它反映了奥斯卡本人的先进、开明的思想境界。奥斯卡与理查德合作的作品除上述最知名的五大剧目之外，还有一些相当优秀的剧目。其中之一是《快板》(Allegro，1947)，写一个医生从生到死的故事，是先写出曲子再构造剧情的，是一个大胆的、试验性的作品，而奥斯卡始终想要再重作一遍此剧。此外还有《我和朱利叶特》(Me and Juliet)(1953)，《管道之梦》(Pipe Dream)(1955)，《灰姑娘》(Cinderella)(1957)和《花鼓歌》(Flower Drum Song)(1958)。1961年，《花鼓歌》被搬上银幕，描写了一个中国女孩移民美国，在旧金山唐人街发生的爱情故事。
        奥斯卡于1960年发现患有癌症，并于当年8月23日病逝。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-23 at 09:43 ]

1948年8月24日法国著名电子音乐艺术家出生




        让-米歇尔·雅尔（Jean-Michel Jarre，1948年8月24日生于法国里昂），法国著名电子音乐艺术家，是法国著名电影音乐作曲家莫里斯·雅尔（Maurice Jarre）的儿子。他是电子音乐先锋，并以举办宏大的室外音乐会而闻名，在他的音乐会上常使用大量的激光、焰火等视觉效果。他是世界上最早实验电子音乐和数字音乐的艺术家，他的音乐会现场观众众多，观众数量之多，曾三次被吉尼斯世界纪录收录。



个人经历
        让-米歇尔·雅尔5岁开始就学习钢琴，但后来就放弃了系统训练。年轻时他曾经组过一个叫Mystere IV的乐队。20世纪60年代晚期，他开始尝试多种电子音乐设备。1968年，他加入了Groupe de Recherches Musicales（以自然声音和工业声音合成电子乐的始祖团体），在那里，他接触到了电子合成器。
        1971年，雅尔为芭蕾舞Aor作曲以庆祝法国巴黎大剧院的重新开张，这是电子音乐首次运用于歌剧，雅尔也由此成为大剧院中最年轻的作曲家。
        20世纪70年代中期，雅尔签约宝丽金。他的第一张专辑《氧气》（Oxygène）于1976年发行，销量超过1500万张，获得了国际性的巨大成功。到目前为止，这仍是法国历史上最成功的唱片。其中的曲目Oxygène 4更荣登多项音乐排行榜的榜首。此后的专辑，雅尔都使用了不同声效合成方法，获得了专业人士以及听众的好评。
        1981年，雅尔成为第一位在后毛泽东时代(毛泽东之后)到中国巡演的西方音乐家。他成为北京音乐学院的荣誉成员。
        1983年，雅尔创作了专辑Musique pour supermarchés （英文Music for supermarkets），这个专辑只有一份拷贝。这张专辑明显表露了雅尔对当时的音乐界的厌恶与不屑。雅尔将这张专辑在卢森堡电台（Radio Luxembourg）播放了一次并将其拍卖，为法国得艺术家筹得一万英镑。人们用磁带录音机将其录下，所以现在我们还能有幸听到这个专辑，不过音质就不是很好了。后来，这张专辑的原版唯一一张拷贝在巴黎德路欧饭店(the Hotel Drouot)拍卖会上以10500欧元成交，成为世界上最贵的唱片。
        1987年，人物杂志（People）评选他为“年度欧洲音乐人”。
        1995年，雅尔成为联合国教科文组织（UNESCO）的慈善大使，曲目Eldorado成为该组织的官方主题曲。同年，他还被法国政府授予了荣誉团骑士级奖章（Chevalier de la Légion d'Honneur）。
        1998年，雅尔成为国际唱片业协会（IFPI）代言人。
        2001年，雅尔不但希腊阿迪库斯音乐厅（Herodes Atticus Odeon）举办了3场音乐会，而且又受希腊文化部委托，为希腊交响乐团创作了献给希腊雅典卫城这一历史古迹的主题曲。
        2005年，担任安徒生诞辰200周年纪念活动的HCA大使。
        雅尔曾与英国女演员及摄影师夏洛特·兰普琳（Charlotte Rampling）有过婚姻。2002年他与法国女演员伊莎贝拉·阿佳妮（Isabelle Adjani）订婚，但后来她取消了订婚。现在，雅尔与法国女演员安娜·帕里约（Anne Parillaud）订婚。雅尔有三个孩子：Emilie（雅尔1970年代早期时婚姻时的孩子），Barnaby（夏洛特·兰普琳在与雅尔的结婚前的婚姻中生下的儿子）和David（夏洛特与雅尔的孩子）。
        截至到2005年，雅尔的专辑与单曲估计已经销售超过7200万张。
        小行星 4422被命名为雅尔，以纪念雅尔父子。


音乐会
        La Concorde，1979年7月14日，法国巴黎协和广场（La Concorde）。有超过100万人参加，音乐会的参加人数打破当时的吉尼斯世界记录。
        Rendez-Vous Houston，1986年4月5日，在美国德克萨斯州休斯敦（Houston）市中心。音乐会是纪念NASA成立25周年，休斯敦150周年。音乐会还纪念了当年1月28日发生的挑战者号航天飞机失事事件。雅尔的朋友宇航员Ronald McNair原本准备在太空吹奏萨克斯，但却在那场事件中不幸罹难。音乐会现场观众超过130万人，使雅尔第二次打破吉尼斯世界记录。
        Rendez-Vous Lyon，1986年10月5日，为访问在法国里昂的教皇约翰·保罗二世 (Pope John-Paul II)举办音乐会，观众超过80万。
        Destination Docklands，1988年10月8日-9日，在英国伦敦举办，观众超过20万。
       1990年7月14日，法国巴黎拉德芳斯雅尔音乐会现场Paris La Défense1990年7月14日，法国国庆日，法国巴黎拉德芳斯(La Défense)。现场观众达到了250万，第三次打破了由他自己保持的现场观众人数的吉尼斯世界纪录。
        Legend of the Lost City，1992年12月，在南非迷城 (lost city)举办音乐会 。
        Concert de l'éclipse，1997年7月11日，在墨西哥提奥提华坎（Teotihuacan），当天有日全食。
        Hong-Kong，1994年3月11日，香港大球场开放典礼，有约4万名观众。
        Tolérance en concert，1995年7月14日，法国国庆日、庆祝联合国成立50周年及纪念“联合国宽容年”( the Year of Tolerance)，法国巴黎埃菲尔铁塔前。超过120万名观众。
        Oxygene à Moscou，1997年9月6日，俄罗斯莫斯科大学。庆祝莫斯科建城850周年，约350万名观众，第四次打破自己的纪录。演出中还有自空间站传来的太空宇航员现场视频。
        Nuit Electronique，1998年7月14日，法国巴黎埃菲尔铁塔前，庆祝法国国庆日及法国在法国世界杯上夺冠。观众超过60万。
        Les 12 Rêves du Soleil，1999年12月31日-2000年1月1日，埃及开罗吉萨大金字塔下，庆祝新千禧年以及埃及进入第七个千禧年，埃及文明五千年。音乐会从日落开始一直持续到日出，现场观众约11.5万，超过20亿的观众通过世界各地的电视台观看了音乐会，另有200多万观众通过网络链接观看了平均35分钟的节目。。
        Rendez-Vous in Space，2001年1月1日，日本冲绳宜野湾市海滨公园里演出，以迎接21世纪的到来，观众约2万。
        Hymn to Akropolis，2001年6月19日-20日，希腊雅典卫城举行了3场音乐会。观众约1万人。
        AERO，2002年9月7日，丹麦奥尔堡市附近Gammel Vraa Enge风车公园里的风车前面举办一场致力于推广风力和可再生能源的音乐会，有约3.5万多观众参加了现场音乐会。
        Pekin，2004年10月10日，中国北京紫禁城音乐会。该音乐会作为中法文化年的一个项目，舞台上使用5.1声道，一些卫星频道也以5.1声道HDTV形式播放了这次音乐会，音乐会上演奏了航空环绕音以及一些不是雅尔所做的歌曲。


巡回演出
        Les Concerts en Chine，1981年10月21日-29日，中国北京、上海。约15万现场观众，并通过中央人民广播电台和电视台转播给中国五亿听众。
        Europe en Concert，1993年7月-10月，欧洲7国，观众超过66万。
        Oxygene Indoor Tour，1997年5月、6月、10月，观众超过23万。



专辑与单曲
        Deserted Palace (1972)，雅尔的首张专辑。
        Les Granges Brûlées (1973)
        Oxygène (1976)，法国历史上销量最高的专辑。获得1976年Prix de l'Académie Charles Cros及唱片大奖。
        Equinoxe (1978)，至今销售量已超过1000万张，并成为Peter Fleischmann的电影La Maladie d'Hambourg部分背景音乐。
        Les Chants Magnétiques (Magnetic Fields) (1981)，发行两周后即成为欧洲各国top 10专辑。
        Les Concerts En Chine (1982)，两张黑胶唱片。
        Musik aus Zeit und Raum (1983)
        The Essential Jean Michel Jarre (1983)
        Musique Pour Supermarchés (Music For Supermarkets) (1983)，世界上最贵的唱片。
        Zoolook (1984)，是最早采用CD记录的唱片之一，荣获“美国年度乐器专辑”，“法国音乐奖(Victoire de la Musique)”和“Prix de l’Académie Charles Cros”。
        Rendez-vous (1986)，荣获两座“法国音乐奖”和“年度乐器专辑奖”。
        Houston-Lyon Cities In Concert (1987)，获“年度音乐会奖”。
        Révolutions (1988)
        Destination Docklands (1989)
        Jarre Live (1989)
        Jean Michel Jarre: The Laser Years box set，是一个特别版，仅在法国发行。
        En Attendant Cousteau (Waiting For Cousteau) (1990)，灵感来自于著名的海洋学家Jacques-Yves Cousteau。
        Images – The Best Of Jean Michel Jarre (1991)，一张精选集。
        Chronologie (1993)，灵感来自于斯蒂芬·霍金(Stephen Hawkings)的书《时间简史》(‘A Brief History of Time’)。
        Hong Kong (1994)
        Jarremix (1995)
        Oxygène 7-13 (1997)，这张专辑完成雅尔20多年前的作品构思。
        Odyssey Through O2 (1998)，一张多位著名DJ制作的混音专辑。
        Revolutions (1998)
        Metamorphoses (2000)，雅尔第一张有歌唱的专辑，是与女艺术家Laurie Anderson, Natacha Atlas, Deidre Dubois (Ekova)以及Sharon Corr (Corrs)合作完成。
        Sessions 2000 (2002)，爵士乐风格专辑。
        Geometry of Love (2003)，是一个限量发行的个人音乐工程，已经成为在美国Apple iTunes上下载最多的WMI专辑。
The Essential (2004)
        Aero (2004)中文：航空环绕音，是世界上第一张用5.1声道录制的DVD音乐专辑。
        Live in Beijing (2004) ，DVD版北京音乐会，法国于2004年12月7日发行。
       Jarre in China - (2005)，DVD版北京音乐会的再发行版，并加了一些特别制作。




与让-米歇尔·雅尔有关的第一或纪录
        电子音乐首次在歌剧中使用
        当时巴黎大剧院最年轻的作曲家
        法国历史上销量最高的唱片
        在后毛泽东时代第一个到中国举行音乐会的西方艺术家
        三次打破音乐会现场人数最多的吉尼斯世界纪录
        世界上第一张5.1声道的DVD音乐专辑
        世界上最贵的唱片
        美国Apple iTunes上下载最多的WMI专辑

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-24 at 08:28 ]

1918年8月25日美国指挥家利昂纳德-伯恩斯坦出生




        1918年8月25日，美国著名指挥家、作曲家、钢琴家利昂纳德-伯恩斯坦出生。

　　当1990年伯恩斯坦过世的时候，九十高龄的柯普兰也已经病重地不能参加他的告别式，过了不久柯普兰也跟着过世了，似乎这两位生前友谊深厚的音乐家，也已经相约好在天国继续他们生前的友谊。

　　如果伯恩斯坦没有遇见柯普兰，也许就不会是后来成为作曲家兼大指挥家的伯恩斯坦。

　　19岁的伯恩斯坦其实穷得连乐谱都买不起。刚拿到柯普兰所写的钢琴变奏曲乐谱时，他陶醉于其不和谐而非常刚劲的特质。只要有人要他演奏钢琴，他一定选择这个作品。但是这个柯普兰早期的前卫作品，当时懂得欣赏的人实在不多，在场听伯恩斯坦弹钢琴的人，常常走得一个都不剩。

　　在柯普兰三十七岁（1937年）生日的晚会上，伯恩斯坦终于见到了他心仪很久的前辈。他告诉柯普兰他有多崇拜柯普兰的音乐，于是柯普兰鼓励伯恩斯坦演奏这首变奏曲。结果，不但晚会上的人一个都没有走开，连柯普兰也听得目瞪口呆。柯普兰很清楚这个年轻人将是美国音乐界未来的明星。从这一天开始，柯普兰不但成为伯恩斯坦在音乐上的前辈、导师，还不断为伯恩斯坦介绍一些机会，并且帮助伯恩斯坦开发音乐事业。

　　出生在一个传统的犹太家庭中，伯恩斯坦很早就显露了音乐方面的天赋，但一直到了就读哈佛大学时，还没有完全确定是否要为了成为一个音乐家努力。这时候伯恩斯坦遇到了当时的希腊籍名指挥家米卓波洛斯。米卓波洛斯相当欣赏伯恩斯坦的个性，他知道伯恩斯坦一定会成为一个众所瞩目的明星。但是直到遇见了柯普兰，柯普兰鼓励伯恩斯坦朝指挥的方向努力，伯恩斯坦终于开始全力发挥他在音乐方面的潜力。

　　伯恩斯坦的指挥老师包括莱纳、米卓波洛斯及库塞维兹基。综合各家的特长，不但让伯恩斯坦在指挥方面有敏锐的节奏感，伯恩斯坦在舞台上独特的“跳跃”，更成为乐迷最爱“看”的演出。身为一个指挥，他推荐美国作曲家的作品不遗余力，其中以他的“恩师兼好友”柯普兰的作品，更是他演出的招牌曲目。

　　在作曲、指挥之外，伯恩斯坦另一个重要的成就，就是在教育方面。如同他的好友柯普兰，伯恩斯坦对于推广音乐不遗余力。柯普兰在教育界培育英才，伯恩斯坦则是推动音乐在一般社会大众中的普及化。他参与许多讲座，举办各种儿童音乐欣赏活动，透过电视电台，让音乐更加平易近人。美国当代的音乐家，即使不一定完全认同伯恩斯坦的音乐风格，但是一定都会肯定他在推广音乐上所做的努力。

1958年8月29日美国歌手 迈克尔·杰克逊出生




        迈克尔·杰克逊出生于印地安那州盖瑞市，是一位美国歌手、作曲家和唱片制作人。1960年代和1970年代杰克逊作为Motown唱片公司杰克逊5乐队的主唱开始了他的演唱生涯。1979年杰克逊开始了他个人的独唱生涯，成为音乐史上最成功的非裔美國籍独唱歌手，也是世界上最成功的流行音乐歌手之一。他被誉为流行音乐之王或 音乐电视之王。杰克逊演唱事业的成功使他获得了众多歌迷（包括深爱的和着迷的）的支持。然而，媒体关注的是他身体状况的变化和怪僻的生活方式。

        杰克逊喜欢儿童，和包括从残疾儿童到童星的许多小孩保持着友好的关系。他曾邀请许多儿童到他的庄园玩耍，也曾为孩子们举办了很多有趣的活动。尽管如此，他仍然再次被控告侵害儿童，2005年5月在加州圣玛丽亚开庭的2005杰克逊被控伤害儿童及其他侵害调查审判中他否认了所有控告。

        杰克逊曾获得许多的音乐奖项，包括18届葛莱美奖。他在全世界销售了约1.7亿张唱片。他的 颤栗 录影带被誉为全世界最伟大的音乐录影带之一，并且在音乐录影带的艺术性上前进了一大步。

       杰克逊出生于印地安那州盖瑞市，在约瑟夫·杰克逊和凯瑟琳·杰克逊的9个孩子中排行第7。整个家庭包括兄长瑞比、杰基、提托、杰梅因、拉托雅和马龙，还有弟妹兰迪和珍妮特, 他们住在一所极小的两居室里，杰克逊的父亲约瑟夫·杰克逊在一家钢厂工作并住在厂里。杰克逊和他的姐妹拉托雅都说他们的父亲对孩子非常残忍而且虐待他们。当被问到这个情况时，杰克逊经常情绪失控并且在一次电视访谈期间哭泣，他说这就好像是一个成年人刚刚遇见经常使他身体生病的父亲。

       1960年代中期，杰克逊5兄弟杰基、提托、杰梅因、马龙和迈克尔组成了演唱蓝调音乐的杰克逊5乐队。这个组合以迈克尔作为主唱，通过在俱乐部和酒吧演唱在中西部地区迅速崛起，甚至在纽约哈莱姆的阿波罗剧院举行的业余歌唱比赛中也获得了成功。据说如果他们演出失败会遭到父亲的打骂。1967年杰克逊5乐队与本地的Steeltown唱片公司签订了第一张唱片合约，and had a regional hit with "Big Boy".

        1976年，杰克逊兄弟与哥伦比亚广播电台签订了协议，先加入费城国际部，后来又转到Epic唱片公司。与哥伦比亚广播电台的新协议为他们提供了在Motown唱片公司所没有的更有创造性的自由和更大的版税。

        麦克尔·杰克逊1979年发行的专辑 《墙外》

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-8-29 at 14:40 ]

1914年8月31日当代著名曲艺大师骆玉笙诞辰





        骆玉笙是我国当代著名曲艺大师、鼓界泰斗、京韵大鼓骆派艺术创始人。她从幼年起登台演出，舞台生涯长达80余年，她的演唱艺术博采众长，兼收并蓄，勇于创新，雅俗共赏。她所创立的骆派京韵大鼓名噪南北，誉满天下，深得广大观众的欢迎和文艺界同行的尊崇，多次受到党和国家领导人的亲切接见，是一位德艺双馨的人民艺术家。

　　骆玉笙1914年生于上海。4岁随养父骆彩武在上海大世界演唱。9岁拜京剧名家苏焕亭为师，学唱京剧老生。17岁改唱京韵大鼓，艺名“小彩舞”、后拜在“三弦圣手”韩永禄门下。她天资聪慧，学艺刻苦。1936年到天津演出，以其甜美的嗓音、宽阔的音域、醇厚的韵味唱响津门，被誉为“金嗓鼓王”。她在继承刘（宝全）派京韵大鼓的基础上，熔白（云鹏）派、少白（凤鸣）派京韵于一炉，并从京剧、评弹等姊妹艺术中广泛吸取营养，结合自己的特点，创立了华丽而委婉、优美而含蓄、抒情色彩浓郁的骆派京韵大鼓。骆玉笙将京韵大鼓艺术推向了一个新的高峰，骆派京韵