1907年9月4日伟大的作曲家爱德华·格里格逝世




        Edvard Grieg (1843-1907), 挪威最杰出的作曲家。生于卑尔根，15岁时去德国莱比锡音乐学院学习。 后去哥本哈根从加德为师。1864年结识了作曲家里夏德·诺德拉克后，共同从事研究挪威民间音乐的工作。1867年创办了挪威音乐学校，根据挪威诗词创作了具有独特风格的抒情歌曲，整理改编民间歌曲。其妻歌唱家尼娜是他作品最好的解释者。

　　格里格能巧妙地将主题用古典结构形式和现实的传统音调紧密地结合在一起，从而使它与真正的民间音乐难以分辨。在创作中，他经常突破一些清规戒律。1868年创作了《a小调钢琴协奏曲》，使他成为当时作曲家中的佼佼者。后期作品，一般都采用短小抒情形式，十分成功。代表作为交响组曲《培尔·金特》。

　　柴科夫斯基、西贝柳斯、德彪西等都曾受到他的影响。他在挪威威望很高，逝世后受到国葬。

　　一、格里格与挪威的不解之缘：
　　1843年生于挪威卑尔根（Bergen）的格里格，并不是由于他的出生地的任何苦难而写民族主义音乐的，而是由于他对祖国的美和祖国那单纯而坚强的人民的热爱。他的父母既富有又受过良好教育。他的母亲钢琴弹得很美，而且写过一些今天仍在挪威听得到的短小歌曲。有一天，小爱德华向钢琴伸出两只手到钢琴上敲击了两个琴键，漏掉当中的一个，造成了所谓三度音程。然后他又加上另一个音——比头两个音高两个音——造成一个叫做三和弦。为他的最后一个音，他按下最低音上面的第九个音。这时他有了一个完全的四音和弦——即现在叫做那可爱的、不协和的“九和弦”。

　　格里格说：“当我发现它的时候，我不知道有多么快活。那时我大概只有五岁。” 不久，他的母亲开始教他弹钢琴。有一天，当学校教师要求所有的学生把他们已经写好作文带来时，十二岁的爱德华却带来一首音乐作品。其他的孩子们都很惊讶，但是那个教师却不高兴。格里格后来写道：“她抓住我的头发摇晃我，直到我的眼前什么都发黑了，并且告诉我把那愚蠢的废物留在家里。”格里格一个朋友是伟大的挪威小提琴家奥勒·布尔（Ole Bull），他常常被称为 “金发的帕格尼尼”，因为他也能用他的小提琴耍各种令人惊讶的花招。他同一个古老的挪威传奇的英雄一样高大，有着金色的头发和蓝色的眼睛，而且会用这么一种方式把鬼的故事和伟人的事迹 讲得把所有的年轻的听众都迷住。他把自己对那些非常古老的故事、小提琴师们在婚礼中拉的欢快的曲调和老奶奶们在纺纱车旁唱的那忧伤而简单的歌曲的热爱传给那睁大了眼睛听的男孩子格里格。

　　奥勒·布尔也劝格里格的父母送他到莱比锡的音乐学院去，从而他能够学会把音乐当作他终身的工作。他在莱比锡的岁月并不快乐。那些教师不知道怎样理解他那些挪威旋律和他常常运用的那些奇怪而美妙的不协和和弦。他们力图使格里格象别人一样，依照那些古典派和浪漫派大师们仿造自己的音乐。因此格里格在学校时的音乐作品最后只不过是对别人的模仿，比其他任何学生能写的并不好多少。他用功得如此艰苦，以致身体严重地垮下来了，但是他终于以优等成绩毕业。他回到挪威，定居在卑尔根（Bergen），住在曾经属于他的祖父的一个农庄上。他的许多朋友仍然认为格里格在他的作品中应当减少挪威风格，而使他的音乐听起来更象世界上别的地方所听到的那样。其他人，象奥勒·布尔，却劝他说：他的音乐只有植根于它的本地的土壤上一样，才是真正好的。

　　二、民族主义音乐的开拓者：
　　格里格同奥勒·布尔的友谊加深了。他们常常一起到山上很远的地方去远足。他们喜欢仰望那些白雪山顶和俯视黑色的湖或周围长着阴暗的枞树的惊涛骇浪的峡湾。他们总是看见一些山鹰在岩石的峡谷上空回旋和驯鹿在多石的地方啮着苔藓。他们喜欢听些山地姑娘们的孤独歌声，她们在山地上单独同羊群在一起度过整个明朗的夏天，直到冬天来临，把她们赶回农场过冬为止。他们还喜欢从村的那间小教堂回到农场尽情欢乐的那些行婚礼的行列，喜欢听在前面骑着马的乡村小提琴手的那种兴高采烈的刮擦琴弦的刺耳声。

　　格里格把这些歌曲和舞蹈以及农村景象织进他那音乐魔术里。总是宽宏大量的弗朗兹·李斯特是在挪威国外鼓励格里格的最初的音乐家中的一个。他用这样热烈的赞扬的话给这个年轻的音乐家写了一封信，以致挪威政府给了格里格一笔钱，使他可以去访问在罗马的李斯特。但是当挪威的戏剧家易卜生委托他为他的剧本《培尔·金特》配音乐的时候，他的第一个真正重大的机会才来到。

　　三、格里格、易卜生和《培尔·金特》：
　　像英国的莎士比亚和德国的歌德一样，易卜生是挪威文学家中最伟大的代表，以致他们不只属于自己的国家，而且属于全世界。

　　《培尔·金特》取材于挪威民间故事。除了格里格之外，没有人能够为可怜的培尔·金特对山魔王的厅堂的访问写出这种富于表情的音乐，表现那里的那些好恶作剧的小侏儒扑在他身上掐他、咬他时的情景，或者那具耐心的索尔维格在那孤独的棚屋里等待着多年在世界上流浪的培尔·金特时唱的那首温柔的歌曲。甚至当格里格描写培尔在埃及和东方奇异的国家里的冒险行为时，他的音乐听起来在某种程度上几乎总是有“挪威风味”的。

　　那首《清晨》似乎更象一幅在令人愉快的挪威树林的黎明时光的音画， 而不是在摩洛哥沙漠里一个神秘的塑像在日出时说的话。成千上万从来也没听说过易卜生的话剧的人们，都在唱机和收音机里懂得并热爱格里格的音乐。

　　四、历史地位：
　　虽然格里格不但在自己国家而且在全世界成名，音乐家们只是在他那漫长的生命于1907年结束时才真正欣赏他的作品。那时他们发现他的那些旋律并不仅仅是古老的民间歌曲的复制品，而是他的心对他的出生地的美景和它的人民的坚强的生活的回声。他们逐渐看出：他的音乐中的那些奇怪而可爱的和声并不仅是奇异的挪威的东西，而是一些后来的音乐家们可以从中学习，来丰富他们的音乐的 新发现。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-4 at 04:08 ]

1965年9月4日德国音乐家施韦策逝世




        1965年9月4日，医生、音乐家阿尔伯特-施韦策逝世。他曾经说过，人道主义的含义是“从不以人作为牺牲来达到某一目 的”。直到在他90高龄弥留之际，仍实
践“尊重生命”这一信条，相信这样的道德准则与利他主义和利己主义运动相符合， 并要求个人的智力最高度的发展。

　　1906年，这位年仅34岁，出色的风琴演奏家、巴赫作品权威，哲学、神学和音乐博士宣布：他要成为一名医生 ，并到赤道非洲去工作。7年后，他在加蓬的兰巴雷斯创建了诊所。他为数百万人所尊敬和崇拜。1952年施韦策获得了诺贝尔和平奖金。他的一生表明道德之光可以为人们所接受，纯洁的爱将万古长青。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-4 at 04:13 ]

支持！！看来以后得每天看这个贴啦，哈哈，给自己加分吧

1791年9月5日德国歌剧作曲家麦亚白尔出生



但我没有找到他个人完整的资料，如果哪位朋友了解，欢迎提供啊！~
谢谢啦！~

1841年9月8日捷克著名音乐家德沃夏克诞生

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-8 at 11:19 ]

忍不住被楼主感动

我脑子笨，只好多积累些！~

1956年9月12日香港歌手、演员张国荣出生





        张国荣（1956年9月12日—2003年4月1日）原名张发宗，英文名Leslie Cheung，是香港歌手、电影演员，出生于香港，籍贯广东客家地区，拥有加拿大国籍。他的歌影迷亲切地叫他“哥哥”，“哥哥”这个称呼最早是由王祖贤和张国荣合拍《倩女幽魂》时开始叫起的。
        张国荣是家中10个孩子中年龄最小的，故有“十仔”之乳名。他曾在英国利兹大学（Leeds University）学习。1976年参加丽的电视（亚洲电视前身）亚洲音乐大赛，获得第二名，并从此进入演艺圈。在1984年至1989年间，是和谭咏麟并称的偶像歌手，成为香港乐坛巨星。

简历
        张国荣早年(1977年-82年)在丽的电视并没有大红大紫，偶尔担当一些电视剧的配角，到较后期才担当主角，如《浣花洗剑录》、《对对糊》、《甜甜廿四味》等剧集。 其中《甜甜廿四味》讲述“哥哥”所演译的角色由一位初出茅庐的中学毕业生发奋图强最终成为天王巨星，简直是“哥哥”前半生的写照。 不过由于丽的电视当年在香港是一个处于弱势的电视台，故当年的张国荣只算是一位三线艺人。
        至于令“哥哥”出道的歌唱事业，更是惨不忍道，1978年首张推出的英文唱片《Day Dreaming》和1979年首张推出的粤语唱片《情人箭》，唱片销量传闻每张只得数百。 当唱片公司员工向唱片商推销时，更被人揶揄买张国荣的黑胶唱片用来毡煲底。（不过当“哥哥”在演艺界走红后，那些没有被投弃置垃圾推填区的这两张黑胶唱片变得奇货可居，当“哥哥”自杀身亡的消息传出后，这两张黑胶唱片更曾被炒卖至过万港圆。）
        初期“哥哥”的歌唱形象较为前卫不羁，有点尊特拉华特 (John Travolta) 电影《油脂》的味道，故当年不太被大众接受。 “哥哥”当年在一次户外演出中曾向现场观众掷帽，但竟然被人把帽子掷回台上，更被现场观众喝倒采。
        虽然早年“哥哥”的歌唱和电视事业不大顺利，但在那个时期（80年代初）曾接拍过不少以青春派偶像为主题的电影《喝采》、《柠檬可乐》、《烈火青春》等，多数角色不是第一男主角，有些更带点反叛，不过“哥哥”凭著这些前卫不羁的形象，累积了不少少女狂迷，为他日后成为超级偶像打下良好基础。
        为了增加知名度，“哥哥”在1982年约满丽的电视后，便跟随恩师黎小田转投无线电视（歌星合约）和旗下的华星娱乐有限公司（唱片合约）。 1983年“哥哥”推出唱片风继续吹，这只唱片的同名主打歌是“哥哥”历来最喜爱歌曲，这张唱片亦令“哥哥”的歌唱事业稳步上扬，不过风继续吹仍未能夺得当年的香港电台十大中文金曲和TVB十大劲歌金曲的金曲奖。
        1984年，“哥哥”的歌唱事业突飞猛进，《Monica》一曲唱至街知巷闻，风头一时无两，刹时间“哥哥”在乐坛已变为天王级歌手。 “哥哥”亦凭，《Monica》一曲首夺十大中文金曲和TVB十大劲歌金曲的金曲奖。 加上当年参与TVB的剧集《侬本多情》的演出，令广大的电视观众更加认识“哥哥”。
        80年代中期，香港乐坛原是谭咏麟一人独领风骚，但“哥哥”的窜红，令香港乐坛变成二雄并立的局面，两位偶像级歌手的歌迷亦在此时产生不少矛盾和磨擦。
        1987年，“哥哥”凭一曲《有谁共鸣》压倒歌坛劲敌谭咏麟首夺TVB十大劲歌金曲金曲金奖（1986年度），同年转投新艺宝唱片有限公司，大碟《Summer of Romance 97》销量冲破六白金，并成为当年香港唱片销量冠军。
        80年代至90年代，“哥哥”还涉足影坛，主演过多部著名电影，包括了《英雄本色》、《倩女幽魂》、《胭脂扣》、《阿飞正传》、《霸王别姬》、《春光乍泄》等。
        1988年，“哥哥”成为第一位亚洲区百事巨星代言人，并在香港体育馆展开了23场百事巨星演唱会。
        1989年，“哥哥”首夺TVB香港最受欢迎男歌星奖（1988年度），在事业高峰时期宣布退出歌坛，并在香港体育馆举行33场告别演唱会，并在最近一场告别演唱会进行封咪仪式。 更加破天荒地亮相亚洲电视，充当该年度亚洲小姐选举的表演嘉宾。
        1990年，“哥哥”在告别演唱会期间从好友周慧敏手中接过TVB香港最受欢迎男歌星奖（1989年度）。
        1991年，“哥哥”因主演阿飞正传，获得第十届香港金像奖最佳男主角，成为香港影帝。
        “哥哥”主演的电影《霸王别姬》在1993年夺得康城影展的金棕榈奖和国际影评人联盟大奖费比西奖，并获金球奖最佳外语片奖，以及奥斯卡最佳外语片提名。
        1995年，“哥哥”推出唱片《宠爱》后正式宣布在乐坛复出。
        2000年，“哥哥”举行热情演唱会，并从天使到王子的姿态面向乐迷，歌曲《我》和《左右手》更道出自己的性取向。
        2003年4月1日，张国荣在香港文华东方酒店（Mandarin Oriental）跳楼自杀。在遗书中，张国荣说他“一生未做坏事，为何这样？”，并在遗书中一一感谢各位朋友、唐鹤德先生以及他的精神科医生。 其经纪人陈淑芬后证实张因患上抑郁症，与病魔搏斗一年余未果，不堪忍受病痛折磨而自杀。
        2005年由香港影艺界所举办的“中国电影一百年”活动当中，张国荣被香港人选为这一百年来最喜爱的男演员。

性取向
        张国荣的性取向曾经是香港人的一个执问，因为他曾在1990年代初期于黄霑及倪匡主持的电视节目《今夜不设防》里大谈自己的(异性)性事，到了1990年代后期，他又在演唱会上公开表示伴侣唐鹤德是他"妈妈以外，生命中至爱的人"。在2001年时代周刊亚洲版访问上他表白自己其实是双性恋。不管如何，张国荣是保守的华人社区罕有的公开承认自己是同性恋者的知名华人，是华人演艺圈第一位敢于公开性向的巨星，因此承受了巨大的压力，饱受争议。他这举动无疑令社会对同性恋者的态度有一定的转变。

电影年表
        2002年《异度空间》,《烟飞烟灭》
        2000年《恋战冲绳》,《枪王》
        1999年《流星语》,《星月童话》
        1998年《红色恋人》,《九星报喜》,《安娜玛德莲娜》
        1997年《春光乍泄》,《97家有喜事》
        1996年《新上海滩》,《色情男女》,《金枝玉叶2》,《大三元》,《风月》
        1995年《金玉满堂》,《夜半歌声》
        1994年《锦绣前程》,《东邪西毒》,《金枝玉叶》,《大富之家》，《记得香蕉成熟时II初恋情人》
        1993年《东成西就》,《霸王别姬》，《白发魔女传》，《白发魔女传II》，《花田喜事》
        1992年《家有喜事》,《蓝江传之反飞组风云》
        1991年《纵横四海》,《豪门夜宴》
        1990年《倩女幽魂II：人间道》,《阿飞正传》
        1989年《新最佳拍档》
        1988年《杀之恋》,《胭脂扣》
        1987年《英雄本色2》,《倩女幽魂》
        1986年《英雄本色》,《偶然》
        1985年《龙凤智多星》,《为你钟情》,《求爱反斗星》
        1984年《圣诞快乐》《三文治》,《缘份》
        1983年《第一次》,《鼓手》
        1982年《柠檬可乐》,《杨过与小龙女》,《冲激21》,《烈火青春》
        1981年《失业生》
        1980年《喝采》
        1977年《红楼春上春》,《狗咬狗骨》

音乐年表
        1977年 I like Dreaming
        1979年 情人箭
        1983年 一片痴、风继续吹
        1984年 张国荣Leslie
        1985年 夏日精选 全赖有你、为你钟情
        1986年 Stand Up, 张国荣英雄本色当年情, 张国荣(迷惑我)
        1987年 Summer Romance, 爱慕
        1988年 Virgin Snow, Hot Summer, 张国荣Leslie（国语精选）, 张国荣1988演唱会
        1989年 张国荣情歌集---情难再续, 张国荣劲歌集, Leslie(侧面), 兜风心情, Salute, Final Encounter, 张国荣告别当年情珍藏版
        1990年 Final Encounter of the Legend 张国荣告别乐坛演唱会, 90New Mix + Hit Collection Dreaming
        1991年 Miss You Mix,
        1992年 浪漫, 张国荣经典金曲精选 Leslie ULTIMATE
        1993年 Salute 24K Gold Collectors' Edition
        1995年 常在心头 Always in my heart, 宠爱, 所有, 爱慕, 张国荣Leslie17首至尊精选, 倾诉
        1996年 哥哥的前半生, 红
        1997年 DOUBLE FANTASY, 张国荣跨越九七演唱会 Live in Concert 1997, Legend
        1998年 光荣岁月, Gift, Printemps, 这些年来、卡拉百分百绝对张国荣
        1999年 陪你倒数
        2000年 Untitled EP,大热,Hit2000张国荣Leslie, 2000 热．情演唱会
        2001年 Forever 新歌+精选
        2002年 CROSSOVER
        2003年 一切随风 (最后遗作)

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-12 at 03:07 ]

1874年9月13日奥地利作曲家阿诺德·勋伯格出生




        阿诺德·勋伯格（Arnold Schönberg，1874年9月13日~1951年7月13日）是奥地利20世纪音乐作曲家，可以说这位作曲家没有受过什么专业训练，全凭借自己的天赋自学成才。

        起初，勋伯格模仿19世纪末德奥浪漫派作曲家的风格，经过长期极为艰苦的摸索，他逐渐形成自己的创作风格，开拓了音乐领域中的表现主义风格，并首创十二音作曲法（twelve-note system，也称无调音乐）。第一次世界大战期间及之后的多年里，勋伯格将大部分精力放在思考音乐结构上，1911年他开始执教于柏林和维也纳，1933年，纳粹指责其音乐颓废，是毒害德国青年的垃圾，把身为犹太人的作曲家赶出了其任教8年的柏林普鲁士艺术学院，此后勋伯格定居于美国，前后在波士顿和洛杉矶任教。

        第二次世界大战期间，勋伯格不再信仰天主教，而改信犹太教，他始终关注自己同胞的命运，终于在1947年，凭着一种无法竭止的情感于12天里一气呵成地写完了包括全部歌词和音乐的杰作华沙幸存者，这部为朗诵、男声合唱以及管弦乐队而作的作品仿佛是作曲家灵魂深处的巨大悲鸣，象征着一个犹太人的全部尊严。作曲家晚年创作了几部完整系列的12音作品，摩西与亚伦是其最后一部歌剧，可惜作曲家逝世时尚未完成，故演出时通常略去第三幕。此外，勋伯格还是一位画家，其中他的自画像最为著名。

主要作品
《升华之夜》(Verklärte Nacht,1899年)
《古雷之歌》(Gurrelieder,1910年-1911年）
《五首钢琴曲》(1923年）
《月光下的皮埃罗》(Pierrot Lunaire,1912年)
《钢琴组曲》(Piano Suite,1923年)
《五首管弦乐曲》(Five Orchestral Pieces,1909年)
《期待》(Erwartung,1909年)
《钢琴协奏曲》(Piano Concerto,1942年)
《华沙的幸存者》(Survivor from Warsaw,1947年)
《摩西与亚伦》(Moses und Aron,1951年)



附：周小静“勋伯格与他的《华沙幸存者》”

        奥地利作曲家勋伯格（1874-1951）是二十世纪音乐发展史中最伟大的作曲家之一。作为音乐领域中表现主义风格的开拓者，他用音乐揭示了真实的现实与人生，触摸到了人的灵魂中更加深沉、痛苦的一面；作为12音序列作曲法的首创者，他展示了不同于传统的思维方式，提供了全新的音乐组织手段。今天，勋伯格音乐的意义仍在不断地被人们领悟，并发挥着强大而深远的影响。
       勋伯格是从19世纪末德奥晚期浪漫派音乐的环境中成长起来的，从崇拜、模仿瓦格纳、勃拉姆斯以及理查·斯特劳斯起步，到逐渐离开传统，最终建造起全新的天地，他经历了长时间的极为艰苦的探索。他创作的第一阶段（晚期浪漫派风格）中最重要的作品包括弦乐六重奏《净化之夜》（后改编为弦乐队曲）、大合唱《古雷之歌》、交响诗《佩利亚斯和梅丽桑德》以及第一、第二弦乐四重奏。第二阶段（自由无调性风格）的创作以《三首钢琴小品》op.11、《五首管弦乐小曲》op.16、《六首钢琴小品》op.19和声乐套曲《月迷彼埃罗》为突出代表。第三阶段（序列主义）成果最丰，包括《钢琴组曲》op.25、《管弦乐变奏曲》op.31、钢琴曲op.33、第三和第四弦乐四重奏、钢琴协奏曲、小提琴协奏曲、歌剧《摩西和亚伦》以及为朗诵、合唱以及管弦乐队而作的《华沙幸存者》等等。这些作品展示了勋伯格在作曲技法上的开拓进程，也表现出了他在思想上的逐步深化，而其中的每一部作品又都为听者打开了一个迷人的世界，因此它们并不因年代的更迭而消失在后来者的声音中。
        《华沙幸存者》作于1947年。由于纳粹政府的排犹政策，身为犹太人的勋伯格早在1933年就离开了任教8年的柏林普鲁士艺术学院，来到美国。他先后在波士顿马尔金音乐学院、洛衫矶加州大学任教，同时继续音乐创作。第二次世界大战的爆发，使勋伯格心中充满了激愤，他从早年信奉的天主教改回了古老的犹太教，以此来表明他作为一个犹太人的自尊。战争期间，他始终关注着犹太同胞的遭遇，在难以忍受的内心煎熬中，终于盼来了战争的结束。
        1947年夏天，勋伯格在报纸上读到一篇关于战争期间纳粹迫害犹太难民的报道。其中描述了一个令人震动的场面：当纳粹士兵强行集合起犹太人，欲将他们送进毒气死刑室的时候，面对死亡的犹太人突然齐声唱起了古老的犹太宗教歌曲《听吧，以色列人》。这歌声激发起了难民们作为人的自尊，在生命的最后时刻给了他们永生的信念。73岁高龄的勋伯格被这则报道激动不已，而就在这几天里，他又亲耳听到了一位从华沙犹太难民营里逃出来的人讲述的可怕经历。一种难以抑制的情感促使他拿起笔来，在12天里一气呵成地写完了包括全部歌词和音乐的杰作《华沙幸存者》。第二年，即1948年11月4日，这部作品在美国新墨西哥州的阿布圭基首演，获得了巨大成功，热烈而持久的掌声使指挥家和演奏家们不得不将长达8分钟的全曲又重演了一遍，以后在许多次演出中都是如此。
        《华沙幸存者》的全部歌词如下：
        （叙述者）我的记忆已不完全了！我一定有很长时间失去了知觉……我只记得他们大家开始唱歌时那宏伟的一刻，好象预先安排好了似的，大家一起唱出那古老的、他们这许多年来所忽视了的祈祷|那被遗忘了的信经！
        但是，我不知道我是这样来到地底下的，在华沙的下水道里呆了这样长的时间……
        这一天象平时一样开始了。天还没亮，起床号就吹响了。“出来！”不管你们还睡着，或是由于忧愁彻夜无眠地躺着，你都得出来。你的孩子、妻子、父母亲都已和你隔离，你根本不知道他们已经遭到了什么，你怎么可能安然熟睡呢？
        又一次的大声喊叫：“出来！中士要发脾气了！”人们走出来了；一些人步履蹒跚：年老的，患病的；另一些人则因恐惧而急急忙忙。他们害怕那个中士，他们尽可能快地走着。可没有用！太吵杂了，太混乱了，却不够快！
        那个中士喊着：“注意啦！立正！怎么，是自己站好还是要我用枪托来帮忙？好啊，如果你们一定要的话！”
        中士和他的兵士打着每一个人：年轻的或年老的，强壮的或衰弱的，有罪的或无辜的。听着那呻吟声、哀叹声，真令人心痛欲绝。
        虽然他们把我打得无法支持而倒在地上，但我还听得见。我们这些被打倒在地上实在站不起来的人，又遭到没头没脑的鞭挞。
        我一定失去过知觉。我所知道的下一件事是一个士兵在说：“他们都死了！”于是中士命令把我们拖走。
        我半死不活地躺在一边。周围死一般地寂静--充满了恐惧和痛苦。然后我听到中士喊道：“报数！”
        人群开始报数，缓慢地，不整齐的：一，二，三，四--“注意啦！”中士又喊了起来：“快点！重报！一分钟之内我要知道，我把多少人送进了煤气间！报数！”
        他们重新开始，先是缓慢的：一，二，三，四，然后加快，越来越快，快到那声响有如野马惊跑，而完全突然的，就在这一片轰鸣之中，他们开始唱起了《听啊，以色列人》：
        “听啊，以色列人，主是我们的神，主是唯一无二的神。你要全心全意地用你一切力量来爱你的主、你的神。我在今天所命令你的这些话，你要牢记在心。你要常常用它们来教导你的子女，无论你坐在家里，走在路上，躺在床上，还是从床上起来的时候，你都要铭记在心。”
        勋伯格采用的写作技法是他自己创立的12音序列作曲法，在这里有必要简略地作些介绍。12音技法是无调性的，各不相同的12个音的地位完全平等，而不象传统的调性音乐那样，有作为中心的主音和从属于主音的属音、下属音、导音之分，也不存在稳定或不稳定的等级关系。作曲家在开始写作时要预先设计一个由12个不同的（其中任何一个都不得重复出现，以免造成“重心”）、没有时值的音组成的“音列”，在某种程度上来说，这个音列有点象是传统作曲技术中的"主题"，但在实际的运用和发展中，它的变化却远远超出了传统的主题发展手段。《华沙幸存者》的音列是这样的：
        #F G C bA bF bE bB #C A D F B
        1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12
        这是音列原形。根据这个原形可以作出48种基本变化：
        1．原形可以整体移高或移低。即在不改变各音之间音程关系的前提下，改变它们的音高。如可以从G开始这个音列，后面依次是G高小二度的#G，高纯四度的#C，低大三度的#A……，再如从#G开始，从A开始等等，这样一共有12种高度的音列原形。
        2．原形的倒影。即按照原形各音的音程关系以倒影方式排列。
        这个倒影的音列也可以在12个不同的高度上出现，于是这里又有了12种形式。
        3．原形的逆行。即从音列的最后一个音开始向前排列，即12，11，10，9，8，7……1。
        逆行的音列也可以出现在12个不同的高度上。
        4．逆行音列的倒影。将逆行的音列再作倒影处理。
        在12个不同的高度上运用这个逆行倒影的音列。
        上述48种形式只是最基本的（在一部作品中不一定都会用到），此外还有许多种可变的因素：
        1．由于在音列中是不包含节奏要素的，因此在实际运用中节奏可以相当灵活。而节奏要素是如此重要，它会给同一条旋律（或音列）以全新的感觉。
        2．虽然音列中各个相临的音在音程关系上是不能改变的，但在音域上却可以自由的跳开去，如一开始的第一和第二个音是小二度，但第一个音可以跳到下一个八度中去，变成小九度；或者第二个音跳到下一个八度中去，形成大七度：
        这种音域上的变化也是很有效果的，常常在听觉上使人感觉不到原来的音程关系了。
        3．可以局部地使用音列中的某几个相邻的音。
        4．可以将音列中相临的几个音以和声的方式叠置起来，如《华沙幸存者》一开始就有这种用法：
        第一小号和小提琴采用音列原形，小提琴将第4、5、6音从下往上叠置起来。第二小号和倍司采用从bC开始的倒影，同时出现的小号的A音和倍司的bC、还原D是倒影音列的第4、5、6音。
        5．音色的变化更是自由无羁，乐队中各种音色或者是人声的编配可以大大丰富作品的音响效果，给人以新鲜的感受。
        曾有人误解勋伯格的技法，以为这是一种机械呆板的、缺少创意的思维方式，用它来作的乐曲也必然是枯燥得有如数学题一样的东西。其实不然，《华沙幸存者》就是最生动的例证。而且，就象勋伯格自己所说的，他的技法是从传统中衍生出来的，尽管在12音序列作曲法中没有了传统概念的和声、调性，但我们仍然可以看到与巴赫的复调和贝多芬的主题发展等种种技法的相类似的手法。
        对于12音序列作曲技法的运用，勋伯格晚期在美国的创作比前段时间要自由些，并不是完全按照他自己曾经定下的规矩诸如绝对不重复某个音或完全不脱离音列来写等等，但从整体上来看，尤其是在重要的素材上，他还是相当严格地遵守音列中的音关系的。
        《华沙幸存者》运用了一个男声叙述者、一个男声合唱团和一个打击乐组很大的管弦乐队。全曲只有99小节，按照情绪的起伏和变化，可以分为五个部分。
        第一部分（1-11小节）：
        小号尖利刺耳的声音模仿着难民营里的起床号声。小军鼓急促的敲击声、弦乐和木管的颤栗一下子就把听者带到了恐怖的战争环境中（见谱例6）。小提琴的拨弦引出一个男子沉痛的叙述：
        第二部分（11-24小节）：
        “我的记忆已不完全了！我一定有很长时间失去了知觉……”
        这叙述是有音调的，但不是很具体，作曲家只用一根线来记谱，围绕着它，语言本身的韵律被夸张地标以音高：
        这一段的情绪有很大的起伏，从刚开始的一拍= 80到90、100、112，一小节一次递增，当叙述者讲到"好象预先安排好了似的，大家一起唱出那古老的、他们这许多年来所忽视了的祈祷--那被遗忘了的信经"时，速度突然变慢，成为一拍=52。勋伯格在这部作品中对速度的运用十分精心，它成为营造情绪的极其有效的因素。在叙述过程中，乐队音响和节奏律动的密度也在迅速增加，造成强烈的紧迫感。结束这一段的是拖长了声调的"在华沙的下水道里呆了这样长的时间……"。
        第三部分（25-53小节）：
        突然加快速度，为一拍=80（此为整部作品的基本速度，以它为基础不断地作出变化）。和开头一样的小号声再次响起：“这一天象平时一样开始了。天还没亮，起床号就吹响了。”乐队音响紧张不安，但当叙述者讲到“你的孩子、妻子、父母亲都已和你隔离，你根本不知道他们已经遭到了什么，你怎么可能安然熟睡呢”，一条凄婉柔和的旋律由小提琴独奏出来，这是全曲中唯一的抒情音响，不由得使人从心底里震颤。
        小号声第三次响起，小军鼓也急促的敲响，木琴、定音鼓心悸一般的节奏伴随着德国人的吼叫，冲向情绪的高潮。在讲到“中士和他的兵士打着每一个人”时，大钹骇人地响起，十分形象地使人联想到抽在人们身上的鞭子。在叙述者恐怖的“我们这些被打倒在地上实在站不起来的人，又遭到没头没脑的鞭挞”这句话之后，紧张的情绪再一次松弛和降落下来。
        第四部分（54-80小节）
        叙述者继续着：“我半死不活地躺在一边。周围死一般地寂静--充满了恐惧和痛苦。然后我听到中士喊道：'报数'！”这一段开始时是语气迟缓的，但马上就变得紧张起来，木管的尖叫和弦乐的拨弦、震弓十分形象地描绘了纳粹的野蛮和难民们心惊肉跳的场面。第二次报数开始了，正如叙述者所讲的：“先是缓慢的：一，二，三，四，然后加快，越来越快，快到那声响有如野马惊跑，”速度从一拍=60起步，然后迅速递增：70-80-90-100-110-124-144-160，同时节奏逐步紧凑，音响逐步增强增厚，达到最紧张点。
        第五部分（81-99小节）
        就在这一片震耳欲聋的声响中，男声合唱队充满尊严地、从容地用犹太语唱起了古老的“信经”。速度突然变为一拍=80，节奏拉宽，虽然喧嚣的、逼迫的声音仍然存在，但仿佛永恒的生命的光芒趋散了鬼魅一般，在这神圣的歌声中它们显得那样委琐，那样微不足道。为了加强合唱的力度，勋伯格让一支长号以同度齐奏歌唱的旋律。
        在这条悠长的旋律中，12个音的音列第一次完整地出现，先是在bB这个音高层上的原形，然后在*处由同音bE开始一个倒影音列，在后面还有一次以D音开始的原形以及也是在D音上开始的逆行倒影音列，在此不一一列举。
        渐渐地，乐队也加入到神圣的赞美歌声中，越来越强烈，当速度拉宽到一拍=40，全曲壮烈而坚定地结束。
        晚年的勋伯格在这部作品中所喷射出的犹太民族对战争罪犯的怒火，对世界和平的热切期盼，仍然撼人心魄。这不仅是犹太人的心声，也是全世界热爱和平、追求自由和平等的人民的心声。
        许多听惯了传统音乐的人对勋伯格的音乐感到难以理解，勋伯格在生前也常常因此而痛心。如果你听了这部《华沙幸存者》，就会理解什么是“表现主义风格”深刻的力量和美了--勋伯格用他惊人的想象力、充沛的情感和精湛的写作技巧为我们展开了一个崭新的音乐世界。   

        注:文中的“一拍=…………”因为找不到相应的音符(四分音符)只好用“一拍”将就.最好能找到那个音符来取代。

1927年9月14日美国著名舞蹈家艾莎道拉·邓肯逝世



        艾莎道拉·邓肯（Isadora Duncan，1878年5月26日—1927年9月14日），是美国著名舞蹈家，现代舞的创始人，是世界上第一位披头赤脚在舞台上表演的艺术家。

        邓肯原名为道拉·安吉拉·邓坎农，出生于加利福尼亚州旧金山，因父母离异，随做家庭音乐教师的母亲为生，家境贫寒，她从小具有对舞蹈的热爱和天才，但没有受过正规舞蹈教育 ，曾有机会学习芭蕾舞，但只上了三课，由于忍受不了死板严格的程序化教学而拒绝继续学习。她完全依靠自学，读了大量文学作品，从绘画、诗歌、音乐、雕塑、建筑等各种艺术中吸取营养，将解释性舞蹈提高到了创造性的艺术地位，主张舞蹈应建立在自然的节奏和动作上，以本能的舞蹈节奏出发去诠释音乐。

        她的舞蹈动作完全自由，从人为的技术性限制中解放出来，摆脱对辉煌而空洞的动作技巧的依赖，随兴而发，经常有即兴创作，她曾评价说：“舞蹈是一种伟大的原始艺术，是一种能唤醒其他艺术的艺术”。她为使现代舞发展成为一种重要的舞蹈艺术铺平了道路。她的著作有《邓肯自传》和《论舞蹈艺术》。她的舞蹈艺术确实刺激了当时许多艺术领域，雕塑家为她雕像，画家为她作画，作曲家为她作曲，诗人为她作诗，她成为欧洲当时的明星。

        她的舞蹈创新一开始在美国并没有受到重视，1897年她前往英国、法国，她的舞蹈艺术受到欧洲第一流的诗人、画家、音乐家、雕塑家等艺术家的重视，她先后在欧洲各地旅行，在布达佩斯的上演首先引起轰动，逐渐成为欧洲著名的舞蹈家，她到欧洲各地访问博物馆，她到意大利和雅典拜访希腊罗马的古代艺术，从中吸取艺术营养，她的舞蹈迅速风靡全欧洲，她在欧洲各地创办舞蹈学校，培养年轻的自由技巧舞蹈演员。

        在访问俄罗斯时，对请愿工人被枪杀感到震惊。1920年，应新成立的苏联政府邀请，在莫斯科创办舞蹈学校，并将国际歌创编成舞蹈，免费教育孩子，后来加入苏联国籍。其后为了为学校筹集经费，又回到美国演出，受到当时反共情绪强烈的美国政府层层阻挠，但观众对她的舞蹈反应热烈，她曾在波士顿舞台上挥舞红色围巾，呐喊“这是红色，我也是红色的，这是生命与活力的颜色”，因此被市长以“有伤风化”名义禁演。

        她一生蔑视传统的道德和“风化”，她访问南美洲，对当地下层流行的探戈舞大感兴趣，在上流社会的宴会上她跳起探戈，引起阿根廷贵族的反感。

        她曾先后和匈牙利演员贝列吉，英国演员和剧场设计师克莱格，美国犹太人缝纫机大王辛格同居，最后和苏联诗人叶赛宁结婚又离异。她和克莱格生有一女，和辛格生有一子，两个孩子在幼年事故中同时于塞纳河溺水身亡。

        邓肯在法国尼斯和朋友聚会后，她的长围巾脱落，被汽车轮绞住，虽然汽车立即停住，但她颈骨骨折身亡，棺木上覆盖着她演出《葬礼进行曲》时穿的紫色斗篷，一面美国国旗和一束大红唐菖蒲花，红色缎带上写着“俄罗斯人民永远悼念你”。火化后她的骨灰安葬在巴黎拉雪兹神父公墓的壁龛中，和她的孩子们在一起。

1957年9月20日芬兰著名音乐家让·西贝柳斯逝世




        让·西贝柳斯(1865-1957)是芬兰著名音乐家，一生作过7首交响乐和交响诗，一部歌剧和许多小型作品，芬兰将他的头像印到了原来的马克钞票上，芬兰人经常自豪地说，芬兰虽然是一个小国，但出过两位世界名人，一位是西贝柳斯，另一位是九枚奥运会长跑金牌获得者努尔米。

        西贝柳斯出生在芬兰一个小镇，早年在赫尔辛基学习法律，24岁时赴德国学习音乐。后来去维也纳深造。三年后回芬兰作了第一首音乐诗《萨迦》(意思是来自古老的传说)，立即轰动，他的最著名作品是交响诗《芬兰颂》，是用芬兰民歌忧伤的曲调组成，以一种不谐和的和声号召反抗，是民族主义音乐的典型代表，成为号召芬兰人民反抗沙皇俄国统治的号角，俄国政府一直禁止在芬兰演奏《芬兰颂》。芬兰独立后政府立即颁给西贝柳斯终身年金，鼓励他继续为芬兰民族写作乐曲。他被称为“芬兰民族之魂”。

        西贝柳斯去世后，芬兰人在赫尔辛基市为他树立了一座由600多根不锈钢管组成的纪念碑，类似管钢琴，芬兰的女雕塑家艾拉·赫拉图南只用了一天时间就完成了纪念碑的建造，每个钢管的处理都表现了芬兰金属处理的不同特殊工艺。芬兰总统曾送给来访的前苏联总书记戈尔巴乔夫一座纪念碑模型，这个模型的制造比原型要费事的多。

1975年9月21日京剧表演艺术家李少春逝世



       1975年9月21日，京剧表演艺术家李少春逝世。

　　李少春(1919-1975)中国京剧演员，工老生、武生。原籍河北霸州。幼居上海，随父李桂春练功学戏，后从陈秀华、丁水利学老生、武生戏，打下文武技艺的坚实基础。定居北京后，拜师余叔岩，得其亲授《战太平》、《定军山》、《打渔杀家》等剧。同时从多方面钻研杨(小楼)派艺术，技艺日进，驰名南北。20世纪30年代末组班演出。李少春是文武兼长的演员。文戏师承余派，武戏宗法杨派，并有自己的创造。他行腔以圆熟婉转和低沉回荡取胜，念白跌宕有致，演靠把戏、短打戏、红生戏各具特色，得心应手。他还积极参加现代戏《白毛女》和《红灯记》的演出，对运用京剧艺术形式表现现代生活进行了有益的探索和尝试。代表剧目有《战太平》、《打金砖》、《长坂坡》、《柴桑关》、《闹天宫》、《云罗山》、《将相和》。他主演的《野猪林》已摄制成电影。

1987年9月21日世界著名歌剧《阿依达》在开罗西南吉萨金字塔前的露天舞场演出。

怎么办呀？没有时间看了！！！！！

1957年9月22日著名影星、歌星周璇去世




        周璇（1918年–1957年）三四十年代上海著名影星、歌星。1918年出生在上海，原籍江苏常州，原名周小红。 1931 年周小红加入黎锦晖创建的明月社。在一次演出中周小红演唱《民族之光》一曲有‘与敌人周旋于沙场之上’一句歌词，受到听众热烈赞赏，因此黎锦晖便替周小红起了一个艺名周璇。在一次上海歌唱比赛中周璇获得亚军，有‘金噪子’之称号

        周璇成名之作：1937年和赵丹主演的《马路天使》

        周璇名曲：《夜上海》、《何日君再来》、《天涯歌女》、《渔家女》、《可爱的早晨》、《四季歌》、《永远的微笑》等

        周璇遗下日记手稿近日由儿子周民编辑出版：《周璇日记》

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-22 at 09:47 ]

1953年9月23日中国文学艺术界联合会成立




        1953年9月23日，中国文学艺术工作者第二次全国代表大会在北京举行。会议决定将中华全国文学艺术界联合会改为中国文学艺术界联合会，简称“全国文联”。

　　文联是中国共产党领导下的全国各文学艺术团体的联合会组织。会址在北京。下属有中国作家协会、中国戏剧家协会、中国音乐家协会、中国电影家协会等专业协会。全国文联的任务是：团结和动员全国文学艺术工作者努力创作和学习，积极为社会主义革命和建设事业服务，丰富人民群众的文化生活；指导群众的文艺工作，开展少数民族的文化活动；加强同世界各国的文化交流，增进同世界各国人民的了解和友谊。在10月份召开的第一次会议上，郭沫若当选为文联主席，茅盾、周扬当选为副主席。“ 文化大革命”期间，文联被迫停止活动。1978年以后文联及其所属各专业协会相继恢复正常。

1926年9月23日美国萨克斯演奏家、作曲家John Coltrane出生





        假如要列出一张爵士乐史上最伟大音乐家的名单，毫无疑问你会将影响了几代乐手的那些大师放进去，他们拥有高的天赋，演奏时充满骇人的力量，像超人一样令人敬仰。
五六十年代出现了一位这样的杰出人物：John Coltrane（1926-1967）。无论作为萨克斯演奏家、作曲家和乐队领导者，他对六十至八十年代的爵士乐都产生深远的影响。他引入爵士的即兴演奏观念为钢琴手、小号手、吉他手以及萨克斯手所学习吸收。
        John Coltrane全名John William Coltrane，出生于北卡罗莱那州的哈姆莱特，在他外祖父家长大。在学校时他学的是单簧管，学校的乐团领队建议其母亲给他买一支中音萨克斯管。1939年，他的祖父和父亲相继去世，上完高中后他就搬到费城与母亲同住，这时期接受了一些短暂的音乐学习，然而他真正的音乐学习还是从加入职业演奏开始的。1949年到1951年期间他加入Dizzy Gillespie的大乐队，正式从中音萨克斯转向次中音萨克斯演奏。
        五十年代初期，Coltrane还不为公众所知，但他在1955年与Miles Davis的合作录音中已经形成了自己十分强力的演奏风格，到他1967年去世为止其风格还在不断开拓发展过程中。Coltrane的音色粗砺、尖锐、巨大而厚重。许多萨克斯手演奏时在高音区会音色变薄、低音区时又会不清晰和不够敏捷。而Coltrane的音色在任何音区始终都是饱满和有穿透力的。此外，他的演奏充满紧迫感，音乐听上去也十分严肃，几乎就没有一丝的幽默。纵观其音乐生涯，他的唱片显示了一种一贯的力量和灵感，即使在大师中间也是很少见的。与Charlie Parker并称，Coltrane是最具一贯性和演奏激烈的那类爵士独奏者。
        五十年代中期以后，John Coltrane与Sonny Rollins成为纽约最抢手的硬波普风格次中音萨克斯演奏家。1957年他出现在21张重要的唱片录音中，与Thelonious Monk一起进行了短暂而富有有成果的合作。同年他回到费城，戒掉了吸食海洛因的毒瘾，开始拓展其个人风格（John Coltrane后来提到《A Love Supreme》这张专辑就是指一种精神上的觉醒），而且组建其经典的四重奏演奏形式。在一家名为the Red Rooster的俱乐部，他发掘了钢琴手Mccoy Tyner和贝司手Jimmy Garrison。
         在为Prestige公司录制了几张专辑以后，Coltrane转签Atlantic唱片公司。1959年，他录下了《Giant Step》专辑，这是张非常受欢迎的经典之作，不过它提出了一个问题：硬波普再往前该如何发展？Coltrane知道答案，在完成与Miles Davis的第二轮合作以后，他组建了由Mccoy Tyner、Jimmy Garrison、Elvin Jones和自己组成的最著名的四重奏。从此爵士乐揭开新的一幕。
        六十年代的社会问题意味着Coltrane音乐上的革新被看作是黑人反抗的先声而大受欢迎，大量地录制和推向市场。1961年，Coltrane从Atlantic公司转到Impulse公司，推出了一系列令人惊愕的作品，其中包括大多数Coltrane里程碑式的专辑，还有部分六十年代中期Coltrane实验性的作品。在1961年至1967年之间，Coltrane制作的专辑成为现代爵士的奠基之作。出于商业方面的考虑，Impulse公司对Coltrane的作品总是推迟出版，看过他现场演出的乐迷们对其音乐上的发展变化之大十分震惊。Coltrane在《A love Supreme》专辑中的演奏与现场相比要催眠和平静好多，然而还能称得上是经典。
        之后，Coltrane的作品变得越来越野性。由于对新领域的无休止的追逐探索，导致乐队的解散。Rashied Ali代替了Elvin Jones，Alice Coltrane取代了Mccoy Tyner，Coltrane对新的萨克斯手尤为感兴趣，在专辑《Ascension》中，他给予Archie Shepp、Pharoah Sanders、Marion Brown和John Tchicai许多演奏空间。Eric Dolphy的演奏风格与Coltrane有很大不同，但他在六十年代早期却频繁作为Coltrane四重奏的一位客座乐手，并和Coltrane于1961年一块巡演。1967的《Interstellar Space》双重奏专辑，Coltrane的次中音萨克斯与Rashied Ali的鼓激烈鏖战，为后人发展提供了一个十分诱人的新暗示。
        1967年Coltrane的去世使得先锋爵士失去了一位精神上的父亲。七十年代Fusion爵士商业性的成功使得他的光芒有些黯淡，八十年代传统爵士的复兴又使得Coltrane硬波普时期的作品大受关注。尽管Coltrane一再强调年轻的萨克斯手们不要学他，但是他死后其风格反而成了一种主流。从Michael Brecker的伯克利学校音乐风格到欧洲的Jan Garbarek，甚至像Andy Sheppard这样的新秀要建立起自己的观众群都找不到其他更好的演奏方式。不过，Coltrane的音乐确实有很大的听众群，尤其在年轻的摇滚乐迷中也十分受欢迎。毫无疑问，Coltrane确实是一位真正的爵士乐使者，他的音乐来自于其内心深处，很少有爵士乐音乐家能达到那样登峰造极的境界，拥有其超凡脱俗的乐器演奏技巧。

[ Last edited by 钟楼怪人 on 2005-9-23 at 08:12 ]

1906年9月25日前苏联最著名的作曲家肖斯塔科维奇出生



        迪米特里·迪米特耶维奇·肖斯塔科维奇（Дмитрий Шостакович，1906年9月25日 - 1975年8月9日），前苏联最著名的作曲家。

        肖斯塔科维奇一生主要生活在苏联时期。 他最重要的作品是他的交响曲和弦乐四重奏，各15首，以及歌剧《姆青斯科县的麦克白夫人》。他的交响曲创作的高峰期在1930-1940年代，弦乐四重奏则是在后期（1960-1970年代）。最近几年来，肖斯塔科维奇的电影音乐（约40余部）越来越受到音乐评论家的重视，其中很多已被录制成唱片。

交响曲列表
        第一 (1925年) - 一部清新有活力的作品。风格近似于斯特拉文斯基和普洛科菲耶夫。他的音乐学院毕业作品。

        第二 (1927年) - "致十月" - 实验性很强的单乐章作品。由混乱转变为有序，再加入赞颂列宁的合唱。

        第三 (1929年) - "劳动节" - 另一部实验性的带合唱的单乐章作品.

        第四 (1936年) - 一部大型的马勒风格的作品，创作过程中断了很多年。

        第五 (1937年) - 作曲家最受欢迎和成功作品。

        第六 (1939年) - 风格类似于第五。

        第七 (1941年) - "列宁格勒" - 创作于二战列宁格勒保卫战期间。作品中最长的一部，反映苏联人民的战斗精神。

        第八 (1943年) - 一部非常阴沉的反映战争的交响曲。

        第九 (1945年) - 一部紧凑的作品，轻松的风格接近于第一交响曲。

        第十 (1953年) - 通常被认为是他最好的作品。

        第十一 (1957年) - "1905年" - 反映1905年的冬宫屠杀。

        第十二 (1961年) - "1917年"

        第十三 (1962年) - "Babi Yar" - 更接近于一部声乐作品。基于诗人Yevgeny Yevtushenko 反映二战期间Babi Yar屠杀的诗。

        第十四 (1969年) - 有11个乐章的作品，接近于声乐作品，由女高音和男低音演唱，歌词取自不同国家不同诗人的诗，主要表现了死亡，气氛十分阴郁。

        第十五 (1971年) - 作曲家对自己一生的总结性作品，引用了罗西尼，瓦格纳和作曲家本人的一些音乐素材。

1849年9月25日奥地利著名作曲家老约翰·斯特劳斯逝世




        约翰·斯特劳斯一世 (Johann Strauss I ，也被称作老约翰·斯特劳斯，Johann Strauss Snr.，1804年3月14日- 1849年9月25日 )，是奥地利作曲家，和约瑟夫·兰纳一起普及了华尔兹，并为其儿子小约翰·斯特劳斯的卓越成就奠定了基础。但他最著名的曲子被认为是《拉德斯基进行曲》，而他最著名的华尔兹则被认为是《莱茵河女妖罗蕾莱》（作品第154号）。

生平和经历
        老约翰·斯特劳斯是小约翰·斯特劳斯，约瑟夫·斯特劳斯和爱德华·斯特劳斯的父亲。他还有两个女儿。生于1829年的安娜（Anna）和生于1831年的特蕾莎（Therese）。他还有一个生于1834年的小儿子斐迪南，但是他只活了十个月就夭折了。

1898年9月26日美国作曲家乔治·格什温出生




        乔治·格什温(George Gershwin1898-1937)是美国著名作曲家，生于纽约布鲁克林，曾广泛接触和研究通俗音乐领域的各种体裁风格，写过大量的流行歌曲和数十部歌舞表演、音乐剧，是百老汇舞台和好莱坞的名作曲家。1924年为保尔·怀特曼的爵士音乐会写了《蓝色狂想曲》获得巨大成功，影响了美国和其他国家的作曲家在作品中运用爵士的手法。接着，创作了管弦乐曲《一个美国人在巴黎》、《第二狂想曲》、《古巴序曲》，并以描写黑人生活的歌剧《波基与贝丝》达到创作的顶点。格什温的卓越贡献是把德彪西和拉赫玛尼诺夫的风格与美国的爵士乐风格结合了起来，虽缺乏熟练的写作技巧，却是个了不起的旋律天才。他的歌曲总是活泼有趣，温柔清新；大型乐曲则节奏明快，和声优美，富于幽默感，既有独特的个性，又是典型的美国风格，因而具有持久的艺术魅力。1937年夏因脑癌去世，年仅三十九岁。在乔治·格什温的代表作《蓝色狂想曲》里，可以找到美国爵士音乐和感伤音乐在节奏上、旋律上与和声上最好的扩展运用。格什温梦想着把建立在爵士乐上的感伤歌曲带进美国音乐厅里来。他的第一首音乐会型的作品《蓝色狂想曲》是以李斯特的《匈牙利狂想曲》为模型的，就是说，是为了用全部交响乐队伴奏的钢琴独奏而写的。格什温后来学习了配器法，以便能为自己的音乐作品创作出他认为最有效果的器乐部分，但是对于《蓝色狂想曲》，他却请来一个熟练的改编者来编谱。这个改编者就是美国著名作曲家菲尔德·格罗菲（Ferde Grofe），这个人后来用他配器的才能来为他自己的某些作品写作——大多数是美国场面的音画。他的《大峡谷组曲》可谓用来表现大自然的色彩和情调感的一个令人目眩的乐器调色展览会。